글 최유미 에디터 출처 크라프츠 3·4월호 Vol.2 수십 마리 악어 떼가 거친 가죽을 뽐내면서 뒤엉켜있다. 악어는 저마다 기이한 몸짓과 방향으로 늪 주변을 어슬렁거린다. 오브제의 아름다움을 느끼기에 앞서 성전 같은 경건함이 강하게 다가온다. 작품 'Crocodile-clock P1'을 처음 본 느낌이 그랬다. 악어 떼가 득실거리는 늪지대를 형상화한 시계. 이 작가에게 악어와 시간은 서로 떼려야 뗄 수 없는 관계다. 시간은 어떠한 형태와 종류든 인간의 욕망을 채우기 위해 존재한다. 살아있다는 것 또한 욕망을 의미한다. 그 생명력을 표현하기에 가장 좋은 것이 바로 동물이다. 그 중 악어는 이 작가에게 있어 욕망을 표현하기에 가장 적절하다. 이인숙, crocodile-clock P1, porcelain 이인숙 작가의 작품세계에는 상징을 위한 다양한 모습들이 존재한다. 그리고 그것들은 각 작품에서 기호로의 기능을 담당한다. 악어, 사자, 기린 등의 동물 형상은 비유와 상징, 기호체계를 작품에 투영하여 작품세계를 완성시키기 위한 매개체인 것이다. "저는 작품을 생명과 인공물의 이분법적인 상징으로 풀어나갑니다. 주로 자연과 생명력은 동물로, 인공물은 차가운 물체인 나사로 상징화 하여 표현하죠." 그의 최근 작품에는 이러한 작품관이 뚜렷하게 나타난다. 지난해 경기세계도자비엔날레에 출품한조명 오브제 ‘Urban Jungle’은 ‘생명’과 ‘인공물’을 의미하는 수많은 상징들로 구성돼 있다. 사이드 테이블과 조명이 설치 된 해당 작품이 탄생한 것은 2016년 겨울이다. “당시 나라가 혼란에 휩싸인 상태였죠. 저는 그러한 일련의 사건들을, 인간 본연의 감정으로 해석해보기로 했습니다." 도예가 이인숙 이 작가의 머리속엔 혼란스러움, 분노, 두려움, 욕망, 희망 등의 감정이 떠오르기 시작했다. 그리고 그 감정들을 상징하는 형상들로 작품을 만들어 나가기 시작했다. 여러 층으로 나누어 제작 된 스탠드 부분이 독특했다. "각 층들을 이어 나가며 4~5번씩 가마에 구웠습니다. 흙을 붙이고, 갈라진 부분을 메꾸고 가마에 넣고 다시 그것을 반복하며, 이러한 과정 또한 욕망하며 발버둥 치는 인간의 삶과 닮았음을 느꼈습니다." 그녀의 주 작업기법은 캐스팅이다. 석고틀을 활용해 다양하면서도 세밀한 작업을 가능하게 해주는 기법이다. 이 작가는 “그때 그때마다 떠오르는 관념을 표현해줄 수 있는 몰드를 꺼내 즉흥적으로 작업한다”며 “주로 인공과 자연을 상징할 수 있는 것들이 보이면 구매해서 바로 몰드를 뜬다. 그렇게 수많은 몰드를 수집하기 시작했다”고 말했다. 그렇게 만들어진 몰드로 캐스팅 작업한 결과물은 그의 작품에서 하나의 기호와 상징으로 쓰인다. 오는 10월 팬던트 조명작품 개인전을 앞두고 있다는 이인숙 작가. 그의 작품세계관에서 나온 독특한 분위기의 작품은 생활자기보다는 오브제에 가깝다. 이인숙, making it! , gallery O (개인전) 그럼에도 작가 이인숙의 작품은 ‘공예’를 지향한다. 모든 작품이 반드시 누군가에게 쓰여지기를 원한다. 하지만 그 '쓰임'에 대한 고정관념이 달라져야 한다고 이 작가는 말한다. 오브제로서, 혹은 생활자기로서 이 작가의 작품은 쓰임새의 경계를 넘나든다. “도자기의 매력은 오브제이면서도 생활자기로도 사용될 수 있다는 점입니다. 작품 속 동물은 기호와 상징의 의미로 태어났지만 누군가에게는 그저 동물이 주는 친근함을 의미할 수 있습니다. 오브제의 의도로 만들었어도 누군가에겐 좋은 스툴이 될 수 있죠. 저는 이러한 간극이 좋습니다. 그리고 그러한 간극이 바로 소통을 가능하게 한다고 생각합니다." 이인숙, crocodile-mirror P3, porcelain, steel 이인숙, jungle boot, 화기, porcelain (본 기사 및 사진을 블로그, 개인 홈페이지 등에 무단 복제·배포하는 경우 저작권법에 의해 처벌 대상이 될 수 있습니다.)

글 최유미 에디터 출처 크라프츠 3·4월호 Vol.2 스페인 테네리페섬의 조용한 마을, 가라치코에서 작은 한식당을 열고 운영하는 모습을 담은 프로그램 ‘윤식당2’는 지난 1월 5일 첫방송 이후 tvN 예능 사상 역대 최고 시청률을 매회 경신 중이다. 여유로운 현지인들의 모습과 아름다운 테네리페섬의 자연 만큼이나 시청자들의 눈을 사로잡는 것은 바로 독특한 윤식당의 내부 인테리어이다. 그중 윤식당의 트레이드마크인 배우 윤여정의 얼굴이 그려져 있는, 식당간판과 내부 벽장식이 특히 눈길을 끈다. 바로 이베리아반도(유럽 남서부,스페인·포르투갈을 포함하는 반도)의 타일공예 아줄레주(Azulejo)다. 가라치코의 아름다움을 가장 잘 표현할 수 있는 것을 찾던 도중 식당 옆 타일 장인의 작품을 보고 인테리어를 타일로 꾸몄다는 제작진의 말처럼, 타일공예품은 이베리아반도의 예술과 문화 깊숙이 자리잡고 있다. 수 세기의 역사를 거쳐 현대인들에게 여전히 사랑받고 있는 아줄레주를 <크라프츠>가 스페인과 포루투갈에서 생생히 담아왔다. 바르셀로나 구엘공원의 모자이크타일, 사진=최유미 에디터 지난 2월 취재차 방문한 스페인의 마드리드. 스페인의 장식 문화를 보여주는 마드리드 내 국립 장식예술박물관(Museo Nacional de Artes Decorativas)에서 아줄레주를 만날 수 있었다. 층마다 가구, 그릇, 도자기, 상류층의 호화로운 의상과 장식품 등이 전시되어 있으며, 가장 꼭대기 층인 4층에는18세기 발렌시아(Valencia)지방 주방을 장식하던 아줄레주가 그대로 전시 돼 있다. 당시 주방의 모습과 동시에, 부르주아의 파티복식 등이 섬세하게 그려져 있다. 웅장하거나 화려한 모습은 아니지만, 당시 사람들의 삶 속에 녹아있는 아줄레주의 모습을 볼 수 있었다. 국립 장식예술박물관 전경, 사진=최유미 에디터 마드리드에서 본 아줄레주가 생활 속 장식이었다면, 포루투갈에서는 단순한 장식을 넘어 도시 전체를 아우르는 예술 양식으로서의 아줄레주를 만날 수 있었다. 포르투갈의 수도 리스본. 거리에서 가장 먼저 눈에 들어온 것은 곳곳이 칠이 벗겨진 건물들의 외관이었다. 날마다 칠을 새로 해, 건물마다 알록달록한 색을 유지하는 유럽의 건물 외형과는 달리 리스본의 건물은 역사와 세월의 흔적을 그대로 나타낸다. 테주강(Rio Tajo)을 따라 달리는 차 창밖으로 리스본 특유의 콜로니얼 양식의 건축물이 펼쳐졌다. 강빛을 머금은 아줄레주가 건물 외벽 곳곳이 감싸며 청량함을 뽐냈다. 포르투 시내의 카르무 성당 (lgreja do Carmo), 사진=최유미 에디터 이곳 리스본에는 포루투갈의 타일 문화를 한 눈에 볼 수 있는 국립 타일 박물관(Museu Nacional do Azulejo)이 자리잡고 있다. 국립 타일 박물관은 본래 1509년 레오노르 왕비가 건설한 수도원이었다. 포르투갈 국립 타일 박물관의 아줄레주, 사진=최유미 에디터 박물관 내부에는 아줄레주 초기 무어양식부터 시작하여, 아줄레주 작품들이 연대기적으로 전시 돼 있다. 시대순으로 작품을 따라가다 보면, 수도원 건물답게 예배당이 나타난다. 내부를 꾸미고 있는 아줄레주의 흰색과 청색의 차분한 조합은 예배당을 더욱 엄숙하고 경건한 분위기로 만들었다. 타일박물관 내부 성당 역시 아줄레주로 꾸며져있다. 사진=최유미 에디터 박물관 2층에는, 1755년 대지진 전 리스본의 모습을 담고있는 아줄레주 작품(Panoramic View of Lisbon)이 전시되어 있다. 총 23미터 길이의 이 작품은 대지진이 일어나기 전, 리스본의 완전한 모습을 담고 있어, 역사적인 가치를 지닌 작품으로 평가된다. 이 작품 맞은편에는 리스본을 주제로 한 현대작가들의 아줄레주 작품 또한 전시되어 있다. 리스본 시가지의 아줄레주는 어떤 모습일까 궁금해 발걸음을 옮겼다. 리스본 시내에 위치한 바로크 양식의 상 호케 성당(Igreja de São Roque)은 화려함의 극치인 내부장식 만큼이나 아줄레주로도 유명하다. 성당 내부는 1500년대의 아줄레주로 장식되어있다. 성당 근처에 위치한 비우바 라메고(Viúva Lamego)라는 1849년에 세워진 포르투갈 아줄레주 회사의 옛 공장으로 가보았다. 지금은 문을 닫았지만 아름다운 자태를 뽐내는 아줄레주 외벽은 아직도 관광객들에게 최고의 사진촬영 명소이다. 아줄레주로 장식돼 있는 리스본 시내 지하철 내부. Restauradores역 승강장, 사진=최유미 에디터 아줄레주 취재 이튿날, 포르투갈 북쪽지역의 도시인 포르투(Porto)로 향했다. 북대서양과 맞닿은 아름다운 항구도시인 포르투 또한, 아줄레주하면 빼 놓을 수 없는 도시이다. 포르투 시내의 기차역인 상벤투(São Bento) 역사 내부는 엔리케 왕자(Infante Dom Henrique de Avis, 1394-1460)의 아프리카 서북부 세우타 점령을 묘사한 아줄레주 벽화로 유명하다. 인구 100만 명 남짓한 유럽의 작고 가난한 나라 포르투갈은 교역과 황금의 도시 세우타를 점령하며, 대항해시대의 포문을 열었다. 포르투 역시 리스본과 같이 거리 곳곳이 아줄레주로 장식되어있다. 길거리 곳곳 색 바랜 타일들은 대항해시대 번영의 향수가 남아있는 이 도시와 묘하게 잘 어울렸다. 15세기 이후부터 ‘반짝이는 돌’ 아줄레주를 사용해 왔다는 이베리아 반도. 이곳에서 직접 만나본 타일공예는 단순히 예로부터 이어온 유산으로만 남아있지 않았다. 리스본 알파마(Alfama) 지구에서 아줄레주 공방 ‘Surrealejos’를 운영하고 있다는 전직 그래픽 디자이너인 루카 콜라피에트로(Luca Colapietro)씨는 “머리속에 떠오른 디자인을 컴퓨터로 작업하여 아줄레주용 특수지에 프린트한다”며 “그대로 타일 위에 올려 가마에 구워내어 타일을 만든다”고 말했다. 전통 형식에 얽매이지 않고 새로운 기법과 색다른 디자인으로 아줄레주는 여전히 현대인들의 삶 속에서 아름다움을 이어가고 있는 것이다. 아줄레주로 장식 된 리스본 시내의 건물, 사진=최유미 에디터 스페인 바르셀로나 구엘공원(Parce Guell)은 독특한 곡선과 모자이크의 타일장식으로 전세계 수많은 관광객들의 발길이 끊이지 않는 곳이다. 스페인이 낳은 천재 건축가 가우디가 설계한 이곳 구엘공원에는 정문의 경비실까지 알록달록 모자이크로 만들어져있다. 타일을 이용했다는 점에서 아줄레주와 공통점이 있지만 외형은 비슷한 듯 다르다. 공원 내 광장을 둘러싸고 있는 벤치는 깨진 타일과 도기로 장식돼 있다. 모자이크 조형물과 건물 곡선은 자연과 유기적으로 연결 된 듯 한 느낌을 준다. 저마다 다른 색으로 반짝이는 모자이크 타일은 동화 속 마을같은 몽환적인 분위기를 연출한다. 이베리아의 유구한 역사속 문화적, 역사적 소산인 아줄레주. 이베리아 반도에서 만난 아줄레주는 오늘날에도 여전히 사람들 삶 속에서 전통이라는 이름으로 살아 숨쉬며 일상 속 예술로서의 그 깊이를 더해가고 있었다. 한편, 스페인 국립 장식예술박물관에서는 ‘시간의 여정 - 자연의 시간, 사람의 시간, 사물의 시간 (Viaje del Tiempo)’라는 제목으로 한국의 공예품들이 전시 될 예정이다. 한국공예디자인문화진흥원(KCDF)가 주최하는 본 전시회의 전시기간은 2018년 4월 5일(목) - 6월 24일(일)이다. (본 기사 및 사진을 블로그, 개인 홈페이지 등에 무단 복제·배포하는 경우 저작권법에 의해 처벌 대상이 될 수 있습니다.)

글 김기화 기자 사진 최유미 에디터 강동구 명일동에 위치한 한 시계 공방. 문을 열자 먼지 하나 없이 깔끔한 작업대가 눈에 들어온다. 잘 정리된 사무실 같은 분위기에서 김한뫼(40) ‘엠오아이워치(‘MOI WATCH’) 대표를 만났다. 은색 바탕이지만 각도에 따라 천연자개 고유의 다채로운 빛깔을 볼 수 있는 나전칠기. 한국의 전통공예 중 하나로, 국내에서는 목조 가구 등의 장식으로 쉽게 찾아볼 수 있다. 하지만 그 나전칠기가 손목시계 다이얼(시계바늘 아래의 금속 판)에 입혀지는 과정을 볼 수 있는 곳은 MOI 공방이 유일하다. “다이얼에 나전칠기를 입히고서도 0.61mm의 두께를 유지시킬 수 있는 기술을 가진 사람은 아마 전 세계에서 저 하나뿐 일 것입니다.” 김 대표의 자신 있는 한마디다. moi 1861 김한뫼 대표가 시계를 배우기 시작한 것은 1998년부터다. 어렸을때부터 시계 마니아였던 그는 대학생 시절 아르바이트로 일하게 된 시계 매매 중개업을 시작해 차츰차츰 관련 경험을 쌓기 시작했다. “10년 넘게 시계를 보다 보니 제가 직접 만들어서 파는 게 어떨까 하는 생각이 들었죠. 국내 시장에서 그치지 않고 해외까지 수출해서 외화를 벌어오겠다는 포부가 있었어요.” 물론 시계를 만드는 것이 생각만큼 쉬울 리 없었다. “당시 국내에 접할 수 있는 시계 브랜드가 별로 많지 않았어요. 기껏해야 롤렉스 같은 고가 유명 브랜드 시계들뿐이었죠. 때문에 시계 관련 자료도 찾기 쉽지 않았고, 시계 제작을 배우는 데에 많은 어려움이 따랐습니다.” 결국 시계 관련 잡지와 서적을 최대한으로 활용하여 시계 제작을 배우고 회사를 차린 것이 2009년이다. 김 대표는 그 당시를 “힘들었지만 보람찬 시간”라고 회상했다. 김 대표가 현재 MOI를 대표하는 나전칠기 작품을 생산하기 시작한 것은 비교적 최근인 2016년 10월경이다. 이를 이루어낸 과정 또한 그리 쉽지는 않았다고 한다. “처음 나전칠기를 시계 다이얼에 입히고 싶다고 생각한 것이 2015년쯤이었어요. 여러 무형문화재 선생님들을 찾아 뵙고 도움을 구한 다음 샘플을 만들어봤죠. 역시 처음엔 아무리 해도 안되더라고요. 나전칠기는 원래 나무 위에 입히는데 이걸 금속 판 위에 입히니 붕 뜨더군요.” moi 1815 나무는 수분을 흡수하며 나전칠기와 흡착되지만 금속에는 흡수력이 없어 생긴 일이었다. “결국 1년간 초벌 작업, 건조 작업, 접착 방식 등 전통적 나전칠기 공정의 여러 부분을 변형하여 실험해봤습니다. 2016년 10월이 되어서야 자연광에 놓아도 변형이나 뒤틀림이 없는 완성품을 만들 수 있게 되었지요.” 그렇게 개발된 나전칠기 시계는 오히려 국외에 더 큰 관심을 이끌어내며 수출되고 있다. 직접 만든 시계를 해외에 수출해 외화를 벌어오겠다는 목표를 이룬것이다. 수출에서 끝나는 것이 아니라 김 대표만의 기술을 이용한 합작 제의까지 들어왔다. 김 대표는 3월 22일에 개최되는 스위스 시계 박람회 ‘바젤월드(BASELWORLD)’에 유명 시계 브랜드 아르티아(ARTYA)와의 합작 작품을 출품한다. “바젤월드는 꾸준히 참가했습니다. 이번엔 삼성 ‘갤럭시 기어S3’를 공동 디자인한 이반 아르파(Yvan Arpa) 아르티아 대표와 콜라보를 진행하죠. 제 나전칠기 다이얼을 보고 먼저 합작 제의를 하셨습니다.” 해당 시계에는 1억 5000만원에 달하는 값이 책정될 예정이다. 전통 공예의 아름다운 가치가 현대의 기술을 만난 결과이다. MOI WATCH 대표 김한뫼, 사진=최유미 에디터 지난 2009년 자신의 이름 ‘뫼’를 따와 회사를 차린 이후 근 10년간 김 대표를 이끌어온 원동력은 무엇일까. “저에게 (워치메이커로서) 가장 큰 도움을 준 것은 바로 ‘시계 마니아’ 시절 경험이었습니다. 시계를 하나 만들어 놓고 ‘나라면 이걸 살까?’ 하고 되묻는 과정을 반복하니 완성도 있는 시계를 만들 수 있게 되었지요. 당장 이번에 (스위스에) 출품하는 시계만 해도 ‘내가 1억 5000만원을 주고 이걸 사고 싶을까?’ 라는 질문을 수도 없이 던졌습니다.” 전통 공예품에 선뜻 지갑을 여는 소비자가 많지 않다는 지적에 대해 김 대표는 자신의 일화를 소개했다. “나전칠기 기술을 가지고 스위스 각 기업에 프레젠테이션을 하러 갔을 때 브랜드 담당자들이 무표정으로 일관하더군요. 근데 나전칠기의 빛깔과 보존력이 천 년 이상 가고, 항균 효과까지 있다는 얘기를 해주니 눈빛이 변했어요. 그들이 원했던 것과 우리의 전통 기술이 맞아떨어진 겁니다.” 전통 공예 기술이 ‘필요’와 맞아떨어진다면 그 가치가 배가 된다는 설명이었다. 사진=최유미 에디터 소비자의 입장에서 생각하는 것, 소비시장을 조사하고 소비자의 요구를 자신의 작품에 반영하는 것이야말로 김한뫼 대표가 가장 중요하게 여기는 자세다. “자신의 분야에서만 생각하면 안됩니다. 시아를 넓혀야 합니다. 내가 생각한 것을 만들고 이걸 사주길 바라는 것이 아니라, 사람들이 팔아주길 바라는 것에 내 생각을 넣어야 해요.” (본 기사 및 사진을 블로그, 개인 홈페이지 등에 무단 복제·배포하는 경우 저작권법에 의해 처벌 대상이 될 수 있습니다.)

글 박수현 편집장 사진 박요한 사진기자 출처 크라프츠 3·4월호 Vol.2 한국인 최초 ‘우주인 후보’ 고산(43) 씨를 지난 2월 서초구에 위치한 그의 사무실에서 만났다. 무려 1만 8,000대 1이라는 경쟁률을 뚫고 우주인 후보로 선발된 지 10여년의 세월이 지난 지금, 그는 3D 프린팅 서비스 스타트업 대표로 변신해 크고 작은 도전을 이어가고 있다. 사무실 입구에서부터 자체 제작 3D 프린터로 만든 영화 캐릭터 피규어와 아기자기한 소품들이 한 눈에 들어온다. 별도 공간에서는 3D 프린터 노즐이 산업용 시제품을 입체 콘텐츠로 신속하게 쌓아 올리고 있다. 제조업체, 건축설계사 등의 제작주문 요청 건을 처리하느라 직원들의 타자 치는 소리가 요란하다. 지난해 23억원의 투자를 유치하는 데 성공한 ‘에이팀벤처스’ 얘기다. 간편한 검정색 긴팔 티와 청바지 차림의 고산 에이팀벤처스 대표는 이날 <크라프츠>와의 인터뷰에서 ‘3D 프린팅 산업’을 4차 산업혁명의 출발지로 꼽는 데 주저하지 않았다. 고산 대표는 “4차 산업혁명을 넘어 5차산업혁명에 대비하는 것이 중요하다”며 기존 공장에서만 가능하던 제조업 분야가 개인이나 작은 집단으로 넘어가는 ‘제조업의 민주화’가 이뤄져야한다고 강조했다. 그가 꿈꾸는 제조업의 미래는 어떤 모습일까. 질문을 던져보았다. 고산 에이팀벤처스 대표와 사무실 전경, 사진=박요한 사진기자 Q: 에이팀벤처스 소개를 부탁드린다. A: 에이팀벤처스는 3D 프린터 제조 및 온라인 3D 프린팅 서비스 스타트업으로 제조 분야, 특히 온라인 제조 서비스에 강점을 두고 있다. 누구든 3D 도면, 혹은 2D 이미지나 간단한 스케치만 업로드해도 3D 모델링으로 제작해 배송해준다. 대부분은 제품 디자인, 건축 등의 분야에서 시제품 제작을 원하는 고객이나 기업, 전문인들이 주요 고객이다. 졸업작품을 제작해야 하는 전공생들의 문의도 많다. 기존에는 3D 프린터 개발과 제작과 판매만 하고 있었지만 그 과정에서 온라인 서비스를 생각하게 되어 ‘쉐이프엔진(Shapengine)’ 서비스를 2016년 론칭했다. 특히 3D 프린팅 온라인 분야는 앞으로도 굉장히 성장할 미래 산업이라고 보고 있다. Q: 온라인 서비스에 대해 좀 더 설명 해주신다면 A: 처음에는 보급형 3D 프린터 공유 플랫폼으로 사업을 시작했다. 개인이 가지고 있는 프린터를 등록해이용자와 매칭해주는 플랫폼이다. 마치 에어비엔비처럼 돈을 벌 수 있다. 주문제작 후 택배로 발송되는 P2P(개인 간 거래) 방식이다. 사업을 진행하다 보니 보급형이 아닌 정교한 산업용 3D 프린터 결과물을 원하는 고객이 늘어났다. 마침 국내에는 3D 산업형 장비가 엄청 많지만 가동률은 높지 않은 실정이었다. 거기에 착안 해 그런 업체들과 고객을 중심으로 고품질 3D 프린팅 산업 시장을 만들어주는 역할을 했다. 에이팀벤처스가 자체 개발한 보급형 3D 프린터 '크리에이터블 D3(CREATABLE D3)', 사진=박요한 사진기자 Q: 지난해 23억 원의 투자 유치에 성공하셨는데 A: 벤처캐피털 알토스벤처스로부터 투자를 받았다. 에이팀벤처스의 크게 3가지 요소가 투자 유치 성공에 큰 부분을 차지하였다. 첫번째는 (에이팀벤처스 제조 및 서비스 진행이) 모두 온라인화 돼 있다는 점이다. 두번째 요소는 우리가 직접 제품을 개발, 제조해왔던 회사이기 때문에 관련 기술을 확보해 놓고 있다는 점이다. 마지막이 타이밍이다. GE(제너럴일렉트릭) 등 전세계 다른 경쟁업체들도 3D 프린팅 관련 기술 확보를 위해 발빠르게 움직이고 있는 상황에서 알토스벤처스 측에서 투자 적기라는 판단을 내렸던 것 같다. Q: 고산 대표께서 보시는 4차산업혁명의 미래는 어떤 것인지 A: 4차산업혁명이라고 하고 있지만 우리는 사실 5차산업혁명을 준비하고 있다고 생각한다. 대량생산을 위해 시제품 제작을 의뢰하는 고객들의 수요가 증가할수록 ‘제조업 민주화’가 앞당겨 질 것으로 예상한다. 4차산업혁명까지는 공장의 효율성을 극대화 시킬 수 있느냐에 따라 투입 대비 수익이 결정되지만 5차산업혁명 시대에는 정 반대이다. 기존 공장에서만 할 수 있었던 제조업을 개인이나 작은 집단이 모두 제조 설비에 접근할 수 있게 되는 것이 바로 제조 민주화다. 그동안 많은 아이디어들이 시장에서 사장돼 왔다. ‘1인 제조업 시대’를 통해 개개인 모두가 ‘메이커’가 되어 상상력과 아이디어를 손쉽게 실물화하는 사례가 늘어 날 것으로 보고 있다. '크리에이터블 D3'로 시제품 제작 시연을 하고 있는 고산 대표, 사진=박요한 사진기자 Q: 아직까지 국내에는 ‘메이커’ 개념이 생소한데 A: 과거에 비해서는 메이커 시장이 많이 좋아졌지만 아직 부족하다. 정부 주도로 메이커 운동이 확산되기에는 콘텐츠 측면에서 아쉬운 점이 있다. 메이커 스페이스를 통해 소프트웨어, 콘텐츠 등의 창출이 이어져야 한다. 다만 메이커들을 위한 공공 제작 공간이 확산되고 있는 점은 고무적이다. 서울 종로구 세운상가에 있는 ‘FABLAB(팹랩/Fabrication Laboratory)’도 미국 MIT(매사추세츠 공대)에서 처음 시작돼 세계 70여개국 600여곳에서 운영되고 있는데 그 중에 우리나라에도 서울, 수원 등 7개 지역에서 활발하게 운영되고 있다. 이 같은 글로벌 네트워크를 통해 무엇을 만들 것인지, 워크숍을 어떻게 운영할 것인지 등에 대해 국내 운영 수준을 높일 수 있다. Q: 메이커 문화는 단순히 ‘놀이’인가? 앞으로 메이커 스페이스의 글로벌 전망은 어떻게 보시는지 A: 메이커 스페이스는 좋은 스타트업이나 창작자들을 만들어내기 위한 플레이그라운드다. 지난 2010년 미국에서 열린 ‘Maker Faire(메이커페어)’ 행사에 우연히 참가한 적이 있다. 엄청난 규모에 한 번 놀랐고, 주차장이 포화상태라 차를 세우고 행사장을 걸어가는 데 대부분의 사람들이 아이들 손을 잡고 가는 모습에 두 번 놀랐다. 미국에서는 메이커 문화가 교육적으로 굉장히 중요한 의미를 가진다. 단순히 단기적 트렌드가 아니다는 인상을 받았다. 오늘날 3D 프린팅 시대에 도면만 있으면 뭐든지 만들 수 있는 상황도 메이커 문화 확산과 연관돼 있다. '크리에이터블 D3'로 제작한 시제품, 사진=에이팀벤처스 Q: 국내 공예산업도 향후 3D 프린팅 시장의 영향을 받을 것으로 보는지 A: 3D 프린터는 인간에게 손을 하나 더 만들어 준 것이나 다름없다. 지금까지 공예하면 고도의 전문 기술이 필요한 영역으로 여겨졌지만 3D 프린터 덕분에 만드는 것이 쉬워졌다. 입문자들이 늘어나면서 관련 시장도 마찬가지로 성장하게 되지 않을까. 실제로 메이커 교육을 받고 전통 목공예로 넘어가는 젊은 친구들도 많이 봤다. 조금 더 많은 사람들이 만드는 즐거움을 느꼈으면 좋겠다. Q: 창업을 준비하는 미래 스타트업 유망주들에게 조언을 해주신다면? A: 미래를 예측하는 가장 좋은 방법은 그 미래를 하나 만드는 것이라는 말이 있듯이, 스타트업을 할 때 가장 좋은 방법은 각자가 생각하는 미래, 그 미래를 빨리 올 수 있게 만들기 위해 스스로가 어떻게 가치를 더하고 노력할 수 있는지 생각하는 것이다. '크리에이터블 D3'로 제작한 시제품, 사진=에이팀벤처스 ** 고산 대표 주요이력 학력 2010. 09 ~ 2011. 06 하버드대학교 케네디스쿨 (1년 수료후 중퇴 / 총 2년 과정) 공공정책 전공 2010. 06 ~ 2010. 08 싱귤레러티대학교 Graduate Student Program 2003. 09 ~ 2005. 08 서울대학교 인지과학협동과정 석사 경력사항 2013. 09 ~ 현재 에이팀 벤처스 대표 2006. 12 ~ 2011. 12 한국항공우주연구원 우주인, 정책기획부, 선임연구원 2005. 08 ~ 2007. 01 삼성종합기술원 컴퓨팅랩, 연구원 위원회 2017. 11 ~ 현재 4 차 산업 혁명 위원회 민간위원 (본 기사 및 사진을 블로그, 개인 홈페이지 등에 무단 복제·배포하는 경우 저작권법에 의해 처벌 대상이 될 수 있습니다.)

글 최예선 기자 출처 크라프츠 3·4월호 Vol.2 혹자는 예술을 미(美)에 대한 탐닉의 발로라고 말하지만 알베르토 자코메티(Alberto Giacometti)는 정반대였던 듯 싶다. 외로움, 결핍, 반성, 후회 따위의 인간이 가진 내면 깊숙한 민낯을 어떻게 보면 앙상한, 또 때론 울퉁불퉁 정제되지 않은 석고 덩어리에 무자비하게 박제해 두었다. 그에게 보이는 것은 중요치 않았다. 보이지 않는 것, 인간의 영혼을 담고자 했다. 그가 석고를 쌓아 올리는 이유였다. 자코메티는 말한다. “당신과 나, 그리고 우리는 계속 걸어나가야 한다.” 자코메티에게 ‘걷는’ 행위는 인간 본질에 대한 성찰과 극복의 반복, 그리고 실패를 향한 성공, 또 성공을 향한 실패 모두를 아우른다. 그래서 일까. 작품 ‘걸어가는 사람’이 응시하고 있는 눈빛은 절망적이면서도 희망적이고, 끝도 없는 어둠이면서도 환희에 차 있다. “여러분들을 둘러싼 작품은 총 2조 1억원입니다.” 여기저기서 탄성이 쏟아졌다. 돈으로 작품의 가치를 메길 수 없다지만 알베르토 자코메티 작품에 붙여진 ‘사상 최고 경매가’라는 타이틀은 이 곳 전시장을 찾은 관람객들에게 궁금증을 자아내기엔 충분했다. Alberto Giacometti, Walking Man II, 1960 © Alberto Giacometti Estate 2월 17일 토요일, 설 연휴 마지막 날. 전시관은 무척 붐볐다. 서울 서초구 예술의전당 한가람디자인미술관에서 열린 ‘알베르토 자코메티 한국특별전(展)’은 휴일을 맞아 오후 도슨트를 위해 모인 50여명의 관객으로 가득 공간을 채웠다. 1차원적인 미적 예술품과는 거리가 멀었기에 그의 작품 세계를 이해하기 위해선 무엇보다 자코메티라는 사람에 대한 이해가 앞서야 했다. 화가였던 그의 아버지, 아내와 뮤즈 삼각 관계 간의 갈등, 그의 곁을 평생 지키며 석고 원본을 청동으로 탄생케 해준 그의 동생, 영원한 라이벌로 꼽히는 피카소까지 그렇게 관객들은 자코메티의 삶에, 작품에 깊이 빠져들고 있었다. 이번 전시를 기획한 주관사 코바나콘텐츠 유경옥 전시 팀장에게 자코메티와 본 전시의 의미에 대해 물었다. Q: 이번 전시회 추진 이유와 그 의미는 무엇인지 A: 자코메티는 이미 세계적으로 가장 유명한 예술가이면서 세상에서 가장 비싼 조각작품을 만들어 낸 주인공이다. 그의 작품은 하나당 천 억 원이 넘는 가치를 가지고 있고 이번 전시의 총 작품 평가액은 2조 1천억원으로, 마크로스코 전에 이어 국내사상 2번째 최고가의 전시에 해당한다. 그리고 또 하나의 이슈는 아시아 최초로 공개되는 ‘걸어가는 사람’과 ’로타르 좌상’의 석고 원본 조각이다. 프랑스에서는 자코메티의 작품이 국보로 여겨지는 만큼 프랑스에서의 반출이 매우 까다롭고 어려운 부분이 있었기 때문에 이번 한국전시에서 자코메티 작품을 감상 할 수 있다는 것 자체만으로도 매우 의미가 있다고 볼 수 있다. 알베르토 자코메티 한국특별전 전경 Q: 알베르토 자코메티는 어떤 사람이었나 A: 자코메티는 스위스 태생으로 어려서부터 스위스의 자연에 영감을 얻어 많은 그림과 조각을 만들기 시작했다. 후기 인상파 화가로 널리 명성이 있던 아버지 조반니 자코메티를 따라 화가가 될 줄 알았던 자코메티는 "나는 무엇보다도 이해할 수 없는 것이 조각이라서 선택했다" 라고 말하며, 조각가의 길을 가기로 선택한다. 그는 수없이 많은 작품을 만들었지만 또 수없이 많은 작품들을 깨 부수기도 했다. 그 이유는 자신이 느꼈을 때, 작품이 죽어 있다고 생각되면 전부 그것들을 깨부셨기 때문이다. 그래서 지금 한국전에서 감상하시는 작품들은 살아있는 자코메티의 작품들을 감상 할 수 있다. 그리고 ‘걸어가는 사람’은 2010년에는 소더비 경매에서 1200억원에 최고가로 낙찰이 된 적도 있고, 2015년에는 크리스티 경매에서 ‘가리키는 사람’으로 1400억원(1600억원으로 수정)에 다시한번 최고가를 경신하기도 했다. 이는 세계적으로 가장 비싼 작가 ‘피카소’의 기록을 깬 사건이다. 앉아있는 남자의 흉상 (로타르 III), 1965-1966, ©Alberto Giacometti Estate Q: 자코메티의 작품에 가장 큰 영향을 미친 것은 무엇인가 A: 자코메티의 작품에 있어 가장 큰 영향을 미친 것은 ‘죽음’이다. 20살쯤 우연히 목격하게 된 한 노인의 죽음을 통해 인생의 덧없음, 허무함을 깨닫고 자코메티는 평생 동안 인간의 삶과 고뇌, 영원할 수 있는 것에 대한 고민을 하고 작품에 생명력을 불어넣기 시작했다. Q: 자코메티가 작품을 통해 표현하고자 한 것은 무엇인가. 그의 작품관, 혹은 세계관은? A: 자코메티는 작품을 통해 살아있는 생명력을 표현하고 싶어했다. 자코메티는 사람의 생명력은 두상에 있다고 생각하여 두상작업에 열중하였고 살아있는 눈빛을 담아 내기 위해 평생을 노력했다. 특히 20세기 상징이 된 ‘걸어가는 사람’(워킹맨)의 눈빛 속에 가장 불행했던 인간의 고통을 참아내고 극복해 낸 굳은 의자가 엿보인다. 많은 분들이 눈물을 흘리는 작품으로도 유명하다. Q: 자코메티의 대표작은? A: 그의 마지막 유언장과도 같은 작품 ‘로타르’ 작품을 꼽을 수 있다. 작품 속 로타르의 시선을 마주하다 보면 죽음 직전에 작업을 하는 자코메티의 심정이 그대로 보여지고 있다. 어쩔 수 없이 죽음은 받아들이고 있지만 반면에 삶에 대한 미련과 아쉬움, 비통함. 그리고 영원히 살고 싶은 인간의 본능적인 염원, 등이 모두 보여지는 우리 인간 그대로의 모습이기도 하다. 가장 잘 알려진 작품은 ‘걸어가는 사람’이죠. 매 경매마다 사상 최고가를 갈아치운 작품이기도 하고, 이번 전시에서 ‘가리키는 사람’(1억 4128만 달러)에 이어 두 번째로 가장 평가액(1억 393만 달러)이 높은 작품이다. 이번 전시회에서 최초로 안전 막을 치우고 육안 그대로 볼 수 있도록 전시돼 작품을 제대로 느낄 수 있는 좋은 기회이다. 전시 맨 마지막엔 이 작품만을 위해 만들어진 ‘워킹맨 방’에서 감상할 수 있다. Q: 전시 관람 포인트가 있다면 무엇인지 A: 이곳에서 세계 최초로 조각작품이 마치 생명을 가진 듯한 생명체로 인식을 하고 작품을 감상하시면 자코메티의 작품 의도를 느낄 수 있다. 특히, 이번 전시회의 백미인 ‘로타르’와 ‘걸어가는 사람’을 감상할 때 작품의 눈을 바라보다 보면 그 안의 영혼과 마주하는 경험을 할 수 있을 것으로 기대한다. 숙연한 명상을 통해 자코메티가 표현하고자 했던 영혼을 느꼈다면, 그것만으로도 전시 관람의 소기 목적은 달성했다고 봐도 무방할 것 같다. Q: 전시장에 '피카소가 시기한 화가 자코메티'라는 문구가 인상적이었는데, 그 둘의 사이가 어땠고 무슨 일화가 있었는지 A: 피카소는 자코메티보다 20살가량 나이가 많았는데 자코메티가 처음 프랑스 파리에 갔을 때 이미 피카소는 세계적인 작가로 명성을 날리고 있을 때였다. 자코메티가 파리에서 처음 전시회를 열었을 때 첫 번째 관람객이 바로 피카소였다. 당대의 최고의 예술가가 파리의 새로운 예술가를 단숨에 알아봤던 것이다. 피카소는 그 어느 누구에게도 자신의 작품에 관해 조언을 구하지 않았지만, 오로지 자코메티에게만은 자신의 작품에 대한 의견을 구하곤 했다. 그렇다고 자코메티의 의견을 반영해 작품을 수정하지 않았다. 피카소는 자코메티에게 겉으로 표현하지는 않았지만 자신이 생각을 했을 때 마티스 이후에 자코메티만이 진정한 예술가라고 생각을 했다. 언제나 자신만만했던 피카소이지만 그래서 자신의 작품이 얼마나 대단한지를 자코메티에게 인정 받고 싶어 했을 뿐이다. 당시 자코메티의 작업실을 자주 찾았던 피카소는 언제나 그렇듯이 자코메티의 작품을 칭찬한 적은 없었다. Q: 이번 자코메티 전시회가 ‘광주요’와 협업해 아트 컬래버레이션 '자코메티 시리즈' 출시했는데 협업 배경이 무엇인지 A: 광주요가 함께 협업을 이루어 아티스트의 혼을 담은 상품을 선보인 것은 지난번 현대건축의 아버지 ‘르 코르뷔지에 전’부터다. 한국의 단순하고도 유려한 아름다움과 서양의 모더니즘 정신이 결합해 머그컵과 커피잔 그리고 접시세트가 출시되어서 일반적인 그릇들과는 차별화가 되어 생각이상으로 성공적인 결과를 안게 되었다. 이번 자코메티 재단과도 정식 협약을 체결하여 ‘알베르토 자코메티 시리즈’가 탄생하게 되었다. 전통적으로 조선백자에 사용되었던 한국의 담백하고 깊은 색을 내는 ‘월백토’를 사용한 제품들은 보기에도 품위가 있고, 깔끔한 디자인으로 단아한 한국의 아름다움을 그대로 반영하고 있어서 내국인은 물론 서양인들에게도 많은 사랑을 받고있다. 우리의 전통 자기를 기반으로 한 디자인과 색을 기초로 하여 아주 담백하고도 고요한 광주요 시리즈는 자코메티 재단장을 비롯하여 관계자들까지도 매우 흡족해 했던 컬래버레이션 작품이다. 또한 이것은 한국의 아트상품이 세계화에서 당당히 경쟁할 수 있는 좋은 기회이며, 세계인들에게 유명작가의 작품으로 다가가 더욱 친근한 공감대를 형성하여 한국의 디자인 경쟁력을 선보일 수 있는 아주 좋은 기회라고 생각한다. 실제로 전시를 보시고 자코메티 시리즈 제품을 구매하시는 외국인들이 매우 많아서 더욱 기쁘고 성공적이라고 생각한다. 한국의 전통자기를 기반으로 세계로 나아가는 광주요와의 협업은 모든 면에서 좋은 사계가 될 수 있어서 앞으로 더욱 확대 발전 시킬 예정이다. (끝) Alberto Giacometti 걸어가는 사람, 사진=최유미 에디터 ** ‘알베르토 자코메티 한국특별전(展)’은 오는 4월 15일까지 서울 서초구 예술의전당 한가람디자인미술관에서 열리며 쉬는 날 없이 운영된다. 자세한 사항은 02) 532 4407이나 www.giacometti.co.kr로 문의하면 된다. 광주요 '자코메티 시리즈'는 예술의전당과 광주요 오프라인 매장, 온라인몰(ekwangjuyo.com)에서 판매하며 아마존을 통해 해외에서도 구매할 수 있다. 머그와 접시는 각 16,900원, 커피잔 2조 세트는 69,000원이다. 광주요 '자코메티 시리즈' (본 기사 및 사진을 블로그, 개인 홈페이지 등에 무단 복제·배포하는 경우 저작권법에 의해 처벌 대상이 될 수 있습니다.)

글 뿌리깊은 나무 前편집장 김형윤 출처 크라프츠 3·4월호 Vol.2 어느날 초등학생 딸이 불쑥 말했다. "아빠, 존댓말 같은 거 없어졌으면 좋겠어." 학교에서 선생님한테 꾸중 들었던 일을 얘기하다가 터진 푸념이었다. 나는 속으로 웃음이 나왔다. 선생님과 맞짱을 뜨고 싶은데 그러지 못해 속으로 분을 삼키는 딸의 모습이 그려졌다. 우리 모국어의 다중구조가 의미하는 것 한국어는 한자와 한글이라는 이질 요소가 결합한 언어다. 거기에 언어생활에서 존댓말과 하대말이 있고 그 사이에 예삿말이 있다. 너무나 소통 구조가 다중적이다. 머리 아프게 복잡하다. 존댓말도 그 내부로 들어가면 ‘전하, 수라를 젓수시옵서’부터 ‘아버님, 진지 잡수십시오’, ’어머니, 저녁 잡수세요’, ‘형님, 밥 먹읍시다’ 식으로 여러 층으로 다시 나뉜다. 세계 어디에도 의사 통로가 이렇게 미로처럼 복잡한 언어는 없다. 모국어는 어느 민족에서나 그 고유문화의 중심이다. 언어가 있어 비로소 사유가 있고 창조가 있고 문화가 있다. 나는 우리 전통문화가 우리 모국어 못지않게 복잡하고 다양하며 풍부하면서도 미묘한 세계를 가지고 있다고 본다. 언어와 문화는 같이 가는 존재들이다. 조선 전통문화의 잔혹사 일본제국주의는 식민지 조선에 1938년 3월 15일 ‘고쿠고조요(국어전용)’ 정책이라는 것을 발표했다. 조선어를 일본어와 같이 쓰도록 해왔던 언어 정책에서 더 나아가 일본어만 쓰도록 바꾼 것이었다. 한국어 말살 정책이자 이는 곧 한국 문화 말살 정책이었다. 일본제국주의는 역사는 물론 정치, 언어, 문화를 비롯한 생활 전반에서 조선인의 의식을 통제하였다. 일본 것은 우러러 받들어야 할 선진 문화이고 조선 것은 모두 미개한 것으로 버려야 할 대상이었다. 날짜도 음력으로 따지고 나이도 세는 나이를 써오던 조선인들은 그것부터가 잘못된 것으로 알아야 했다. 1943년에 혼인한 우리 어머니는 시집 와서 집 안에 모셔졌던 신주단지를 모두 물에 떠내려 보냈다고 했다. 초등학교 일본인 선생들로부터 그런 것은 버려야 할 관습이라고 배웠던 탓이다. 일본제국주의 통치 아래서 한국인은 모국어를 잊어야 했다. 아울러 그동안 핏줄 속에 연면히 흐르고 있었던 고유문화를 버리도록 강요받았다. 단군신화로 상징되는 민족정체성, 동학으로 표출된 민본주의, 제례 의식을 포함한 유교 문화 같은 정신 자산들이 모두 부정되었다. 판소리나 민요는 신식 일본 노래 뒤에 숨어야 했고 도자기나 옹기, 목기, 베틀은 시장에서 비까번쩍한 공산품에 밀려났다. 아버지와 농악대 1960년대에 나는 중학생이었다. 학교에서 집으로 돌아가다가 처음 듣는 음악소리에 이끌려 공설운동장으로 들어갔다. 나는 거기서 놀라운 풍경을 보았다. 고깔모자를 쓰고 낯선 복장을 한 사람들이 각양각색 악기를 들고 요리조리 곡선을 만들어 움직이며 풍악을 연주했다. 나는 가슴 속에 알지 못할 감동을 안고 그 처음 만난 풍악에 빠져들었다. 나는 그날 거기서 또하나 뜻밖의 장면과 마주쳤다. 아버지의 모습을 구경꾼들 속에서 보았다. 대학에서 서양철학을 가르치는 아버지는 그런 자리에서 마주치니 무척 낯설었다. 술 한잔 하고 기분이 좋아 독일 노래 ‘보리수’를 부르는 모습을 보긴 했지만 농악 같은 것에 관심을 가질 사람이라고는 상상하기 어려웠다. 1960년대 초 그 무렵이 우리 옛것에 대한 관심이 조금씩 되살아나던 시점이었던 것 같다. 서구 문물과 양키 문화 돌이켜보면 우리 전통문화는 식민지 시대에만 괄시와 소외에 시달린 것은 아니었다. 일본제국주의가 패망했지만 그 어두운 시대에 한국인의 의식에 각인된 열패감은 그대로 이어졌다. 그런 형편에서 육이오전쟁을 만났다. 동족상잔의 비극은 수많은 인명을 죽이고 그나마 살아남은 사람들의 삶의 터전을 깡그리 무너뜨렸다. 참혹한 파괴가 한민족의 마지막 긍지와 자존심까지 황폐하게 만들었다. 전쟁 후 복구 과정은 긴 겨울처럼 춥고 스산했다. 한국인들은 미국이 앞장서 가져온 서구 문물의 체온에 몸을 기대야 했다. 먹고사는 문제에 오로지 매달려야 하는 현실에서 전통문화라는 것은 깊은 소외 속에 그대로 얼어붙어 있을 수밖에 없었다. 서구 문화, 양키 문화가 한국인의 의식을 점거했다. 우리가 잊지 않아야 할 과제 근대화와 산업화는 육이오전쟁 이후 몇 십 년 동안 한국에서 가장 중요한 명제였다. 그 어간에서 한국어만 쓰지 말고 영어도 공용어로 사용하자는 주장이 꽤 많은 사람들의 지지를 받으며 제기되었다. 국제화, 세계화의 대열에서 뒤처지지 않으려면 영어 사용 국가가 되어야 한다는 주장은 지금도 완전히 사라진 것이 아니다. 그러나 나는 오랜 수난에도 불구하고 한국어가 오늘 살아남아 있다는 사실에 안도한다. 모국어가 살아 있다는 것은 민족의 고유문화가 죽지 않았음을 뜻한다. 식민지 시대의 긴 박해에도 불구하고 한국어는 생명을 지켰다. 우리 전통문화도 인고의 세월을 버티고 자칫 죽을 뻔한 위기에서 명맥을 되살렸다. 세계사를 보면 많은 민족들이 저마다 크고작은 흥망성쇠의 역사를 거쳤다. 그때마다 고유한 언어와 문화도 시련의 위기들을 맞아야 했다. 그처럼 민족의 고유문화는 어느 시대에나 도전에 부딪칠 위험성을 가진 것이고, 당대의 민중은 그 도전에 과감히 맞서야 하는 책임을 또한 부여받고 있다. 우리가 잊지 말아야 할 과제다. ** 김형윤 잡지편집자. 에세이스트. 1972년부터 1985년 사이에 월간 문학사상, 월간 뿌리깊은나무, 월간 샘이깊은물의 편집장을 차례로 지냈다. 1985년부터 지금까지 김형윤편집회사를 운영하고 있다. (본 기사 및 사진을 블로그, 개인 홈페이지 등에 무단 복제·배포하는 경우 저작권법에 의해 처벌 대상이 될 수 있습니다.)

출처 크라프츠 3·4월호 Vol. 2 Krafts Vol.2 Things <크래프트 콤바인> ​ 크래프트 콤바인은 이기용, 조준익, 김예진 3명의 대표 디자이너와 박윤 포토그래퍼로 구성돼 있다. 디자인 방법론에 있어 공예적 접근과 디자인적 접근을 함께 활용한다. 사람의 손을 거치는 생산 공정을 통해 쉽게 복제 되는 제품이 아닌 시간과 노력, 그리고 재료의 본질적인 가치를 제품에 담고자 한다. 그래픽, 제품, 공간 등 분야에 제한을 두기보다는 각 요소들을 넘나들고 결합하여 디자인한다. 자세한 제품문의는 www.craftcombine.com. Craft Combine Light, 170 x 40 x 40 / 100 x 40 x 40mm, 2015, walnut wood, epoxy, LED. 월넛과 에폭시를 이용하여 디자인한 무드조명 두 재료의 혼합을 연구 하였으며, 마치 하나의 재료처럼 보이도록 디자인 하였다. Craft Combine Light, 170 x 40 x 40 / 100 x 40 x 40mm, 2015, walnut wood, epoxy, LED Craft Combine Plate, 150 x 150 x 90mm, 2015, brass, copper, aluminium, wood, marble, glass. 다양한 금속의 표면처리기법과 재료의 혼합을 통해 디자인한 접시 오브제 Patterned Pallet Furniture​, 440 x 750 x 450, 2018, Used pallet, Acrylic, Felt, Robinia, Lauan plywood. 화물 운반 후 버려지는 팔레트를 이용하여 디자인한 의자 <장신구협회> 1997년 창립전을 시작으로, 현재 100여 명의 회원이 활동중인 한국도자 장신구회는 전통의 깊은 멋과 현대적인 감각의 융합으로 변화하는 새로운 문화를 맞이하고있다. 오승주, Bags, Ceramics, silver, 37x40x13mm. 가방을 모티브로 한 도자장신구. 문의 sweetishrain@gmail.com 김연화, Blooming. 김연화의 작품은 고유성을 가지면서도 하나의 통일된 체계를 이루는 미니멀리즘의 반복적(Tautological)구성을 이루고 있다. 문의 brightpond@gwnu.ac.kr 한윤빈, 오늘+오늘 ©한윤빈. 장신구용도에 맞게끔 최소의 무게를 위하여 color paper clay로 제작함으로써 흙느낌을 극대화 한 것이 특징이다. 문의 010-7296-5097 <공예디자인 상품개발사업> 한국공예디자인문화진흥원(이하 KCDF)은 경쟁력 있는 공예상품 개발 및 작가 육성을 위하여 2013년부터 ‘공예디자인 상품개발사업’을 시행해왔다. 개발지원은 물론, 유통경쟁력 강화를 위한 개발상품 브랜드화 지원으로 한국 공예산업의 성장동력을 창출하고 있다. 2017년 개발상품 중 주목할만한 작품을 크라프츠에서 소개하고자 한다. 나뭇결이 은은하게 드러나는 옻칠 쟁반, 김나연, 김아람 작가의 <옻칠반>. 이하 사진출처=KCDF 겸재 정선의 자화상 ‘독서여가도(讀書餘暇圖)’에서 모티프를 얻은 전하람 작가의 <’독서여가도’ 테라피> 시리즈 옻칠 위에 정교한 패턴기법을 적용한 양정모의 <무로>는 테이블웨어로, 자연스러운 질감과 다양한 크기로 사용도를 높였다. 삼베와 한지로 한국적인 질감을 표현하여 세련된 전통의 미를 극대화 시킨 정대훈 작가의 <지곰 소반, 지곰 사각함> (본 기사 및 사진을 블로그, 개인 홈페이지 등에 무단 복제·배포하는 경우 저작권법에 의해 처벌 대상이 될 수 있습니다.)

출처 크라프츠 3·4월호 Vol.2 Krafts Vol.2 Editor's Choice <금속공예 작가 이정화> "'다이아몬드 1캐럿을 위해 1500톤의 흙이 파헤쳐진다'는 기사를 읽은 적이 있다. 그 문장은 나의 뇌리에서 쉽게 사라지지 않았다. 나는 작가로서 광부가 되어보기로 했다. 원석에 틀을 떠내어 레진으로 복제하고 원석이 파내려간 흔적을 새긴다. 다시 하얗고 검은 지점토로 비어있는 원석의 공간을 메꾸어 준다....사람이 만들어낸 가장 큰 구멍인 다이아몬드 광산, 그 흔적을 손 위에 올려놓을 만큼 축소시켜 장신구가 되었을 때 먼 하늘에서 대지를 바라보는 것 같은 상상이 개인의 사적공간 안에서 펼쳐진다." – 이정화, 작품노트 中 The traces of 1 carat_resin, film, 사진제공=이정화 작가 The traces of 1 carat_crystal resin, synthetic diamond powder, stone powder, film, 사진제공=이정화 작가 <도예작가 한희선> "나는 나만의 작품을 완성할 뿐, 오히려 감상자가 자신의 경험과 가치관을 통해 각자의 것으로 완성해 나가는 것이다. 작은 에피소드가 모여 새로운 이야기가 되고 과거의 기억까지 더해지면 추억과 이야기는 다시 생성되고 쌓여간다. 나는 작품을 구상하고 완성하는 동안 열정적인 사랑에 빠지기도 하고 서로 알아가고 이해하다가도 격렬히 싸우고 상처를 주고 받으며 애증의 추억을 만들지도 모른다. 그러나 이후의 추억과 이야기는 감상자와 사용자의 몫이며 나와의 기억과는 다르게 될 것이다. 이제 그것이 품을 저마다의 지극하고도 의미 있는 가치로 변하는 것이다." - 한희선, 작가노트 中 소꿉놀이(Childhood Memories) apples, 2017, 사진제공=한희선 작가 호모 루덴스(Homo Ludens,놀이하는 인간) Black & Whit Clouds, 2017 <흙의 시나위> 한국 도예계의 대표적인 여성 작가모임 흙의 시나위 기획전-호호(好戶) 전에 출품된 작품들. 올해로 29년을 맞이한 ‘흙의 시나위’ 는 한국 도예계의 대표적인 여성 작가모임이다. 자유롭고 실험적인 작업을 지향하며 해마다 하나의 주제를 가지고 멤버들간의 활발한 교류의 결과물을 전시 활동으로 선보이고 있다. 현재 김문경, 김선, 김은정, 김현경, 배정은, 송은애, 안세연, 유경옥, 윤정선, 이은송, 이전경, 이화윤, 정지현, 허정은 14명의 작가들이 활동 중이다. 2017년 ‘흙의 시나위’ 정기전 호호(好戶) 전은 처음으로 남성 도자 작가들과의 협업이 시도되었다. 여성 도자작가 14인과 남성 도자작가 14인이 각1:1로 매치되어 진행되었다. 안세연ㆍ김재규, Combination Time, 조합토, 백자토, 슬립캐스팅, 수금, 2017, 사진제공=이하 흙의 시나위 배정은ㆍ조광훈, Give and take, 2017 김문경ㆍ김태곤,Natural flower,백자토, 2017 한종규ㆍ이은송, Sight Variation, 2017 이진경ㆍ박정근, 지금, 과거 현재 미래 +인간, 도기질 점토, 화장토, 2017 <조각보 디자이너 정혜정> “나의 조각보는 마음의 치유이자 내 삶의 에너지이다. 우연한 계기로 시작한 대학시절부터 지금까지 조각보를 만드는 과정은 늘 설레임으로 다가온다. 햇살에 비치는 아름다운 조각보의 다양한 컬러들은 만드는 이를 사로잡는다. 바늘 한 땀 한 땀에 내 숨이 깃들기에 나를 표현하는 동안 나는 행복하다.” -정혜정, 작가노트 中 무제, 395 X 272mm, 옥사, 2017, 사진제공=정혜정 작가 무제, 395 X 272mm, 옥사, 2017, 사진제공=정혜정 작가 (본 기사 및 사진을 블로그, 개인 홈페이지 등에 무단 복제·배포하는 경우 저작권법에 의해 처벌 대상이 될 수 있습니다.)

글 박수현 편집장 사진 최유미 에디터 출처 크라프츠 3·4월호 Vol.2 사랑받는 공예품의 특징은 무엇일까. 조선 후기의 백자 달항아리는 수려한 외형으로 현대 공예작가들에게 끊임 없이 영감을 던진다. 철저한 시장조사를 바탕으로 실용성이 더해진 공예품은 젊은 소비층의 선택을 받기에 딱이다. 양지운(37) 도예 작가는 여기서 한 발짝 더 나가 자신만의 기법을 개발했다. 표면에 무늬를 파고 그 속에 금, 은 등을 채워 넣는 고려청자 상감기법을 응용해 만든 기법이 양 작가의 ‘금(金)연마상감’이다. 고화도안료로 색소지를 만든 후 가압기법으로 포인트를 준다. 그리고 금박을 채워주고 벗겨주는 기존의 상감기법을 활용하는 기법이다. 전통을 현대화했다는 의미외에도 그 어디에서도 찾아볼 수 없는 외형의 독창성이 그의 작품을 유일무이하게 만드는 이유다. 양지운 작가는 ‘내 것,’ ‘나만의 도자기’를 만들어야 한다는 절박감이 지금의 ‘양지운 표’ 작품들을 탄생시켰다고 말한다. “졸업작품을 준비할 당시 제게 선천적으로 타고난 재능과 센스가 부족하다는 생각을 하게 됐어요. 살아남기 위해서 어느 부분에 힘을 쏟아야 할까 고민하던 중에 제가 잘하는 것 중 하나가 엉덩이 오래 붙이고 앉아있는 것이었습니다. 대학교 마지막 해에는 매일 흙을 달고 살았던 것 같습니다.” 세라스톤 에스프레소 Basic, 사진제공=양지운 작가 사진촬영 차 직접 사용해본 양 작가의 에스프레소 잔은 잡고 들었을 때 편안하기까지 했다. 바디부분은 시유를 하지 않고 표면 연마를 한 까닭에 부드러운 자연미를 손으로 바로 느낄 수 있다. 그래서일까. 심미성, 독창성에 실용성까지 갖춘 양 작가의 ‘세라스톤 다기 세트’는 지난해 문재인 대통령의 동남아 3국 순방길에서 인도네시아 대통령의 영애에게 줄 선물로 선정되기도 했다. 양 작가에게 공예작가의 길을 걷게 된 계기를 물었다. “예술고등학교를 다니며 대학입시 전 미대에서 배우는 미술분야에 대해 얕지만 전반적으로 접할 수 있었습니다. 일반적인 입시 미술 뿐 아니라 총체적으로 경험할 수 있었던 이 시간에 나는 그림을 그리거나, 컴퓨터로 디자인을 하는 것 보다 직접 손으로 무언가를 만드는 것에 더 흥미를 느낄 수 있었고 그렇기에 미대진학을 할 때 공예과를 들어갔었죠. 학부에서 금속, 섬유, 도자를 배워가며 도자기에 흥미를 쌓아갔어요. 긴 시간 나의 것을 찾기 위한 연구와 과정들에 익숙해지고 학교를 나와서도 너무나 자연스럽고 당연하게 전업작가의 길을 걷게 되었습니다.” 양지운 작가의 식기 시리즈, 사진=최유미 에디터 작품활동 과정에서 양 작가가 가장 중요하게 생각하는 것은 ‘집중력’이다. 흙과 둘만의 시간 속에서 온전히 집중을 할 때 아이템 선택, 디자인, 작업과정, 마무리, 전시, 비즈니스, 유통 등 모든 것을 실수 없이 진행할 수 있기 때문이다. “제가 사용하는 재료와 도구, 기계들에 대한 연구는 완성작에 많은 영향력을 주는 초석이 됩니다. 내 물건이 쓰일 장소, 사용자 등에 대한 고민을 한 후 디자인을 하고 제작을 하여 마무리의 완성도를 높여 완성품을 만들어 내야 사람들을 만나 전시를 기획하기도 하고, 유통하기도 합니다. 나의 분신으로 내보내질 것들이기에 이 모든 과정 하나 하나에 엄청난 에너지를 쏟게 됩니다. 이러한 에너지를 발산할 수 있는 원동력이 곧 집중력인 것 같습니다.” 세라스톤 골든아이언 시리즈, 사진제공=양지운 작가 양 작가의 하루 평균 작업 시간은 16시간 정도다. 물론 밥을 먹고, 커피를 마시는 시간 등을 포함해서 앞치마를 걸치고 작업실에 있는 시간이 그러하다. 외부 미팅이 있거나 서류작업을 해야 하는 날은 평소보다 늦은 시간까지 작업을 한단다. 수량으로 본다면 양 작가가 한달 동안 만들 수 있는 컵은 제일 작은 것을 기준으로 100개 미만이다. 이는 색소지 준비 등 밑 작업에 들어가는 시간을 제외했을 때의 기준이다. 양 작가는 이정도도 과거에 비해 굉장히 빨라진 속도라고 말한다. 손잡이 포인트 부분을 가압을 하고 3번에 걸치는 소성, 3번의 연마 과정, 코팅 등 손이 많이 가는 작업이기 때문이다. “모든 작업 과정에서 작업일지를 쓰며 저만의 데이터를 만들어요. 예를 들어 어떤 아이템은 한 달에 몇 개를 만들 수 있는지, 재료들이 얼만큼 필요한지, 포장 시 다국어 리플렛, 오동나무 포장 상자 수량 등의 데이터를 미리 만들어 놓으니 작업에 온종일 집중하기 수월하기 때문이죠. 1인 스튜디오에서 이 모든 과정을 신경 쓰는 것이 너무나 힘듭니다. 하지만 피할 수는 없습니다. 반드시 해야만 하는 부분이죠.” 그런 노력 덕분에 양 작가는 지난 2014년부터 3년 연속 프랑스 최대 리빙아트페어 ‘메종&오브제 파리’에 참여 작가로 선정됐다. 그 외 매해 우수문화상품과 우수공예품에 작품이 지정되고 있다. “제 작업의 포인트는 금연마상감 기법입니다.도자기의 표면 장식기법으로 한국의 전통 상감기법을 응용해서 고안한 유일무이한 기법이다. 아무래도 전통을 현대화하였다는 아이덴티티를 식기에 적용해 작업을 하다 보니 국내 소비자들이나 기업, 국빈 선물 용으로 많이 좋아해 주시는 것 같아요.” 만드는 작품 대부분이 선물용으로 판매되기 때문에 포장 하나 하나 소홀히 넘어 가는 경우가 없다고 양 작가는 말한다. 양 작가는 “작품에 대한 설명과 이력을 국문, 영문, 일문, 중문을 기본으로 리플렛을 준비해두고 필요해 따라 사용할 수 있도록 아랍어나 이탈리아어, 프랑스어 등 번역본을 미리 준비해둔다”며 “사용처에 따른 일반적인 패키지, 고급형 패키지 등 상대방이 원할 때 제시할 수 있는 샘플을 준비해두기도 한다”고 말했다. 양지운 작가의 작업활동 모습, 사진=최유미 에디터 평상시 작품활동을 위해 영감을 주로 어디서 받는지 궁금해졌다. “매 순간 내가 접하고 내가 만나는 사람들로부터 영감을 받습니다. 순간 떠오르는 아이디어가 있기도 하고 선잠에 들었을 때 떠오르는 이미지를 바로 일어나서 간략하게 메모를 해두고 다시 자기도 합니다. 신기하게도 자다가 얻은 이미지로 나온 작품들이 꽤 많은 사랑을 받습니다. 작업을 하는 시간 외에는 작업실 밖으로 자주 ‘탈출’하는 편이죠. 꼭 약속을 잡지 않고도 그냥 어디론가 향할 때가 많아요.” 양지운 작가의 공방 내부, 사진=최유미 에디터 ** 양지운 작가 이력 개인전 3회 2017년 문화예술발전유공자상 ‘오늘의 젊은 예술가상’ 선정(공예디〮자인 부분) 2017년 대통령 인도네시아 순방 정상선물 선정 2016년 대통령 멕시코, 몽골 순방 정상선물 선정 2016년 ASEM 문화장관회의 귀빈선물 선정 2015년 Milano Expo 한국관 개관기념 귀빈선물 선정 2017-15년 우수문화상품, 우수공예품 지정 2017-14년 Maison & Objet, Paris (본 기사 및 사진을 블로그, 개인 홈페이지 등에 무단 복제·배포하는 경우 저작권법에 의해 처벌 대상이 될 수 있습니다.)