글 김기화 기자 출처 5·6월호 Vol.3 전시장에 들어서자마자 공간을 가득 채운 나전칠기 작품들이 관람객의 눈길을 끈다. 나전칠기 고유의 다채로운 빛깔과 자개로 수놓아진 부드러운 곡선이 가구들에 멋을 더한다. ‘색다른’ 전통공예들이 보관된 곳. 한국나전칠기박물관이다. 남산체육관역에서 내린 후 길을 따라 도보로 2분 남짓. 기대감을 품고 한국나전칠기박물관에 도착했다. 계단을 따라 내려가자 벽을 따라 쭉 나열된 나전칠기가 관람객들을 반긴다. 전시된 나전칠기 공예품들을 보며 관람객들이 가장 먼저 느끼는 것은 ‘실물과 사진은 다르다’ 는 점이다. 작품을 보는 각도에 따라 나전칠기가 보여주는 아름다운 무지개빛깔은 시시각각 바뀐다. 사진에서는 경험할 수 없는 나전칠기만의 매력이다. 한국나전칠기박물관 외부전경 전시장에 들어서자마자 가장 먼저 눈길을 끄는 작품은 끊음질(자개를 길고 가늘게 잘라 그 선들로 문양의 한 부분, 혹은 전체를 표현하는 기법) 장인 황삼용 작가의 ‘조약돌’이었다. 커다란 바위 크기(가로 90cm, 세로 50m, 높이 36m)의 ‘조약돌’ 형상. 자연스러운 곡선 형태의 구조물을 빽빽하게 수놓은 자개를 보면 장인이라는 수식어에 고개를 끄덕일 수 밖에 없게 된다. 보는 각도에 따라 비취색으로도, 노란색으로도, 보라색으로도 보이는 표면에는 자개 하나하나마다 섬세한 옻칠이 되어있다. 이익종 생옻칠 장인의 솜씨이다. 작품에 관람객 자신의 모습이 비춰질 정도로 세밀하고 고른 옻칠은 ‘조약돌’에 가치를 더한다. 한국나전칠기박물관 내부전경 황삼용 작가의 ‘조약돌’이 현대적인 오브제의 느낌을 주는 반면, 벽면을 가득 채운 수많은 나전칠기 작품들은 보다 전통적인 멋을 자랑한다. 모두 일사 김봉룡 선생의 작품이다. 고(故) 김봉룡 선생은 1967년 중요무형문화재 제 10호 나전장이자 우리나라 근현대 나전칠기 역사의 궤를 같이했다. 채화칠로 덮인 주홍색 바탕과 유려한 곡선의 당초문양, 그리고 무궁화, 모란, 석류, 학, 봉황 무늬들이 어우러진 작품들은 모두 우아하고 고급스러운 자태를 뽐냈다. 세월이 작품들을 빗겨 가기라도 한 듯, 바래지 않은 나전칠기의 빛깔과 뚜렷한 채화 색은 우리나라 나전칠기 기술의 가치를 다시금 느끼게 해준다. 한국나전칠기박물관의 김은애 큐레이터에게 한국의 나전칠기를 물었다. Q: 우리나라 나전칠기의 역사는 어떻게 되는가 A: 우리나라에서 나전칠기가 언제부터 만들어졌는지 확실치 않지만, 현존하는 작품들은 고려시대 것부터 보인다. 그러나 고려 나전칠기의 정교함과 아름다움으로 볼 때 일찍부터 나전칠기 기술이 축적되었다는 예상이 가능하다. 이후 조선시대를 거쳐 조선 후기에는 정감 어린 민화 풍의 나전칠기가 유행하였다. Q: 다른 공법에 비해 나전칠기만이 가지는 의의가 무엇인가

글 사진 최유미 에디터 출처 5·6월호 Vol.3 서울의 ‘핫플레이스’ 한남동 가로수길에 하얀 벽체와 파란색 창호가 어우러진 건물 한 채가 들어섰다. 바로 지난 2월 개관한 ‘용산공예관’이다. 지하 3층, 지상 4층, 연면적 2800㎡ 규모의 신축건물에 들어선 용산공예관은 ‘전통공예 계승’과 ‘일자리 창출’이라는 두 마리 토끼를 잡기위해 용산구와 SPC그룹의 협업을 통해 탄생했다. 한남동과 공예. 어울리는 듯 색다른 이 둘의 만남을 직접 보기 위해 <크라프츠>가 공예관을 찾아가 보았다. 벚꽃이 흩날리던 지난 4월, 용산공예관의 널찍한 야외 테라스에서는 한복차림의 외국인 젊은 여성들이 모여 앉아 봄 햇살 아래에서 셀카를 찍고있었다. 건물 1층에는 넓은 공예품판매장이 한눈에 들어왔다. 화려한 자개장, 고풍스러운 도자기부터 아기자기한 수공예 소품까지 다양한 제품들이 전시 되어있었다. 이곳 샵에 전시된 제품들은 비싼 이태원 땅에 손으로 만든 수공예품이니 가격이 비쌀 것이란 선입견을 깨고, 다른 공예판매점에 비해 훨씬 합리적인 가격으로 판매되고 있었다. 용산공예관 1층 공예품판매점 전경 이러한 가격구조에 대한 질문에 용산공예관 윤진수 주무관은 “관에서 운영되고 있기 때문에 임대료에 대한 부담이 없고, 무엇보다 납품하시는 작가분들을 설득시켜 많은 분들이 공예품을 만날 수 있도록 합리적인 가격으로 가격책정을 하였다. 우리 또한 수익을 목표로 운영하는 것이 아니다 보니 판매수수료를 많이 떼어가지 않고있다”고 대답하였다. 공예판매장의 주요고객층에 대한 질문에는 “1층 공예품샵에는 청년층부터 중·장년층까지 폭넓은 연령대의 분들이 방문하는 편이다. 외국인들은 물론, 연예인분들도 종종 물건을 사러 온다. 얼마전 톱스타 여배우가 방문하여 한지로 만든 쌀독을 구매했다”고 밝혔다. 1층을 둘러보고 난 후 올라간 2층은 여러 공방과 한복체험장, 도자기 체험장이 자리잡고있다. 공개입찰을 통해 입점된 공방에서는 금속공예, 알공예 등 다양한 분야의 장인들이 모여 작품활동을 하고있다. 한복체험장의 경우, 개량한복이 아닌 전통고급한복을 대여해준다. 1층에서 공예품을 관람한 후, 2층에서 체험을 통해 한국의 문화를 느끼고자 하는 외국인들이 주로 찾는다고 한다. 한 한복체험장 입점 대표는 “용산이 세계의 문화를 담고 있는 지역이나 한국적인 정서는 느끼기 어려운 곳인데, 한국 전통을 체험할 수 있는 곳이 생겼다는 소식에 외국인들이 많이 찾는 편이다”고 말했다. 용산공예관 1층 공예품판매점 전경 2층 알공예 공방에 입주한 황갑주 장인은 이곳 용산공예관은 전통과 현대 모두를 아우르는 공예 판매장으로, 대한민국이 보장하는 공예품을 만들어 세계에 한국을 알릴 것이라는 포부를 밝혔다. 같은 층에 위치한 도자체험관은 사전예약제로 운영되는 곳이다. 도자체험관 담당자는 “서울 시내에서 도자기를 체험하고 굽는 곳은 많지 않고, 관에서 운영하는 도자기 체험장은 용산공예관 한 곳 뿐이라 빠르게 입소문을 타고 있는 중이다”고 밝혔다. 또한 “이용자들의 만족도가 높아 재방문율이 높은 편”이라고 말했다. 3층은 일반인을 대상으로 공예 교육을 진행하는 ‘공예 배움터’와 분야별 공방 5개실(짚풀·죽(竹), 한지·종이, 규방·자수, 금속·칠보, 민화·병풍)이 위치하고있다. 각 공방에는 적게는 4명부터 6명까지의 60세 이상의 공예가들이 입주해 있다. 이들은 이곳에서 작품을 제작하며 후학을 가르칠 예정이다. 전통문화 계승과 일자리 창출이 동시에 일어나는 것이다. 이곳 공방에서 만난 최명순 작가는 노년층 일자리 창출의 가장 모범적인 사례이다. 한지공예를 시작한지 10여년이 된 최명순 작가는 용산공예관 입주 전에는 한 가정의 아내로, 어머니로 집에서 ‘취미’로 한지 작업을 할 수 밖에 없었다. 판매처가 따로 없어 만든 작품을 집에 쌓아 둘 수 밖에 없었던 그는 용산공예관에 입주하면서 인생 제2막을 시작했다. 공방에 입주하여 작품을 만들고, 만든 제품을 1층 공예품매장에 진열하여 판매하였다. 전통적이면서도 아름다운 색을 덧칠한 그녀의 작품을 찾는 고객들이 많아졌고, 얼마전에 한 유명인이

글 박수현 편집장 출처 크라프츠 5·6월호 Vol.3 레몬 스퀴저, 고랭지배추, 컬리 플라워... 전혀 연관성을 찾아볼 수 없을 것 같은 단어지만 하나의 공통점으로 귀결된다. 바로 자연. 도예작가 구세나의 주된 관심사는 ‘자연’이다. 도예는 흙이라는 자연소재로 탄생하는 예술임에도 분명 흔치 않은 주제들이다. 지난 4월 마주한 구 작가의 설명은 명쾌하다. 바로 ‘도자기’라는 이미지가 주는 고정관념을 깬 형태의 예술을 추구하고 싶다는 것. 새로운 촉감과 색감이 주는 영감이 구 작가를 ‘자연’으로 이끌었다. 홍익대학교와 영국왕립미술대학원 도예·유리과를 졸업한 구 작가는 국내 뿐만 아니라 영국을 비롯한 유럽 각지에서 섬세한 관찰력과 상상력을 엿볼 수 있는 독특한 작품을 선보여왔다. 생명이 없는 ‘수단’으로서의 자연 매개체에 상상력과 표현과 생명을 불어넣어 반복된 일상을 사는 현대인들에게 시각적 풍요를 선사한다. 대표적으로 지난 평창동계올림픽 기념 강릉올림픽파크 라이브사이트 한국공예전에서 구 작가가 선보인 ‘강원도의 향’이 있다. 영락없는 강원도산 배추 모형의 화병이 사람들의 시선을 특히 더 끌었던 이유는 무엇일가. “원래 자연물을 이용해서 작업을 많이 해왔습니다. 자연에서 형태나 촉감, 색감에서 영감을 많이 받는 편이죠. 원래는 ‘촉감’이라는 테마로 영국에서 레몬과 컬리플라워로 많이 활동했습니다. 배추는 한국인에게 친숙한 먹거리이고 김치는 한국을 대표하는 음식이라 처음 시도해 보았습니다. 배추를 관찰했을 때 형태적으로도 재미있는 요소가 많았죠. 그 형태적 미를 그대로 담아내고자 배추를 캐스팅해 기본 형태를 만들고 형태를 수정해 배추 꽃병을 만들었습니다.” 자연으로부터 영감을 받은 구세나의 세라믹 작품들 자연에서 얻은 위트 있는 구 작가의 독특한 디자인은 롯데백화점 본점 에비뉴엘에서 4월 30일까지 진행된 구세나 개인전 ‘Imaginature'에서도 여지없이 드러난다. 구 작가의 시그니처인 레몬 형태의 레몬스퀴저, 컬리플라워에서 영감을 얻은 플레이트, 앵무새를 그대로 옮겨 놓은 듯한 저그 등 예술적 관찰력과 상상력을 엿볼 수 있는 작품들이 에비뉴엘 각 층마다 조화를 이루며 전시돼 있었다. “레몬스퀴저는 영국 졸업 전시 때 처음 만들었는데 작품은 도자기지만 원래 고정관념에서 깬 형태나 새로운 시도를 선호합니다. 기존 스키저 모양에서 벗어난 새로운 형태가 없을까 고민하다 레몬 형태 자체가 짜기 좋은 형태라 작업을 시작했습니다. 이 작품으로 현지에서 ‘라이징 세라믹 디자이너’로 이름을 알리기 시작했습니다. 이번 개인전은 봄을 주제로 했습니다. 올해가 개띠여서 여기가 대중적인 공간이라 개 캐릭터도 만들고 도자기 이외에 그래픽 작업도 많이 하고 이제껏 만든 작품을 그래픽으로 만들어서 전시하고 있습니다.” 롯데에비뉴엘에서 열린 구세나작가 개인전 전경 ‘그래픽 작업’에 화들짝 놀라 질문을 이어갔다. “제 작업 자체가 디자인과 밀접한 관계가 있습니다. 제 작품을 명함처럼 그래픽으로 만들기도 하죠. 덕분에 (다른 디자이너들과) 협업을 하기도 하고 제 작품의 그래픽을 입힌 옷이나 가방이 탄생하기도 합니다. ‘도자’라는 입체물 외 다른 소재에 그래픽을 입혔을 때 느낌이 색달라 재미있습니다. 그것 자체로 또 하나의 새로운 느낌으로 공간을 구성할 수 있고 색감도 다양하게 표현할 수 있죠.” 구 작가는 스스로를 ‘도예작가’로 여긴다. 다만 기존 전통 도예작가들과의 차이점이 있다면 사회 흐름에 민감하게 반응한다는 것. “실용적이든 예술적이든 (작가로서) 큰 흐름을 읽지 못하면 안된다고 생각해요. 현재가 아니라 미래를 볼 수 있어야 하죠. ‘4차산업혁명’ 시대에 맞는 흐름이 무엇인지 끊임없이 고민합니다. 지난 롯데백화점 영등포점 개인전에서는 증강현실(AR) 기술을 활용해 작품을 선보인 적이 있습니다. 휴대폰으로 보면 제 작품이 움직이는 식이죠. 도자기와 기술의 만남이 사람들에게는 굉장히 재미있는 경험을 선사합니다.” 롯데에비뉴엘에서 열린 구세나작가 개인전 전경 지금도 공예인들 중 예술에 증강현실 기술을 대입한 사람은 본인밖에 없을 것이라고 구 작가는 확신한다. “지금도 4차산업 관련 수업은 찾아가서 듣는 편이에요. 어떤 새로운 시도가 없을까 이런 걸 계속 고민하고 있죠. 공간적인 부분에도 단순히 기존 예술 갤러리보다는 좀더 재미있는 공간이 없을까 고민합니다. 갤러리는 좀 딱딱한, 일반인들이 다가가기 좀 어려운 느낌이 있거든요. 작가로서 사람들에게 시각적으로 신선한, 즐거운 무언가를 제시해 주는 것이 가장 중요한 역할 중 하나라고 생각해요.” 구 작가에게 3D 프린팅 기술 역시 자신의 예술 세계를 보여주기 위해 피할 수 없는 ‘툴(Tool)’이다. “어떤 작업의 경우 3D 프린터로 원형을 만들기도 해요. 적극적으로 기술을 활용하는 편이죠. 모든 기술을 다 알아야 할 필요는 없지만 어느정도 배워 둔다면 표현의 폭을 더 넓힐 수 있습니다. 필요에 따라 적절히 사용하면서 나만이 갖고 있는 감수성이나 상상력과 결합하는 식이죠. 물론 이 같은 기술만 가지고는 사람의 마음을 전달하는 데 한계가 있습니다. 사람의 손만이 상대방의 마음을 울릴 수 있죠.” 롯데에비뉴엘에서 열린 구세나작가 개인전 전경 구 작가에게 앞으로 예술가로서 해보고 싶은 새로운 분야가 무엇인지 물어봤다. “계속 하고싶은 것도 많고 호기심도 많아요. 그동안 상업적인 전시도 많이 했지만 오직 인간만이 표현할 수 있는 감성이 무엇인지 찾아보고 싶기도 해요. 한 예가 음식입니다. 푸드 스타일링이 주는 싱싱한 느낌을 이미지화 하는 작업을 준비 중입니다.” 매번 새로운 도전을 이어가는 구 작가지만 ‘도자’라는 전통이 가지는 무게감을 외면하는 것은 아니다. 그럼에도 구 작가는 흙에 대한 애착을 바탕으로 자신만의 방식과 색깔을 꾸준히 연마하는 것이 우리나라 도자의 역사를 잇는 또다른 방법이라고 생각한다. (본 기사 및 사진을 블로그, 개인 홈페이지 등에 무단 복제·배포하는 경우 저작권법에 의해 처벌 대상이 될 수 있습니다.)

글 최예선 기자 출처 크라프츠 5·6월호 Vol.3 일상 생활의 사물에 감정을 이입하기란 쉽지 않다. 함도하 작가에게 가구가 가지는 의미는 조금 다르다. 의자, 책상, 방금까지 불을 밝혔던 조명은 개개인 감정의 자취를 고스란히 보여주는 매개체다. 즉, 그에게 가구란 곧 나 자신이자, 감정 그 자체, 그리고 우리 모두가 느끼는 감정의 총화(總和)였다. “첫 인상에도 감정에 들어가고 아침에 눈떠서 잘 때까지 감정을 느끼는 게 사람이거든요. 비록 표현하지 않았더라도 사람이 죽을 때까지 가져가는 단어인 것 같아요.” ‘감정시리즈’가 서구풍 가구를 의인화 해 화려하고 다채로운 느낌을 줬다면, 이번 ‘머릿장 시리즈’의 첫인상은 한마디로 ‘절제’였다. 화려한 듯 하면서 소박했고 감정이 온 가구를 휘감고 있었던 감정 시리즈와 달리 묵직하고 깊이 있는 감정이 곳곳에 깃들어 있었다. “여기 있는 작품 모두가 제 감정이자, 저 자신입니다.” 가구 디자인계의 떠오르는 신예, 함도하 작가를 지난 3월 30일 저녁, 갤러리다온에서 만났다. Q: ‘감정 시리즈’에 이어 최근에 ‘머릿장 시리즈’를 내놨는데 설명 부탁드린다 A: 머릿장 시리즈는 2017년 여름부터 작년 말까지 6개월 간 하나하나 직접 옻칠을 하고 장식도 달면서 만든 작품입니다. 감정을 담아 가구를 의인화 한 감정 시리즈가 많은 사랑을 받았는데 이번엔 전부터 관심을 가지고 있었던 전통가구를 테마로 잡았어요. 만드는 방식은 전통 방식이지만 풀어내는 방법은 현대적인 팝 아트적 요소를 담으려 했어요. 젊은 세대들에게 외면당한 전통 가구에 팝 아트적 요소를 더해 회화와 같은 형태로 풀어내려 한 거죠. 함도하 작가의 도형머릿장 저는 홍익대학교에서 목조형 가구디자인과를 전공했어요. 옛날부터 가구를 찾아 헤맸는데 저도 어쩔 수 없는 한국사람이더라고요. 제가 가장 잘 표현할 수 있는 가구가 전통가구라는 생각이 들었어요. 굉장히 멋있는데 왜 재해석이 안될까 하는 의문점이 있었던 것 같아요. 전통 가구를 재해석 한 작품들은 많은데 제가 일부는 너무 한 박자 멀리 갔다는 생각이 들었어요. 저는 반 박자, 멀리 가지 않고 훼손하지 않는 선에서 기법이나 방식은 옛날 전통가구 만드는 방식으로 하지만 문양과 색감을 조금 다르게 한번 표현을 해보고 싶었어요. 그리고 감정시리즈의 연장선 상에서 하나 하나 감정을 담았어요. 특히 감정 머릿장을 보면 감정을 의인화한 문양들이 곳곳에 들어 가 있어요. 함도하 작가의 감정 머릿장 함 작가는 머릿장에 직접 옻칠을 하는 작업에서 숱한 ‘옻 독’을 겪었다고 한다. 옻 알레르기가 있는 전통가구 장인이라. 직접 해야만 하는 이유를 물었다. “가구가 아니고 작품이니까요.” Q: 왜 가구인가 A: 어렸을 때부터 가구들을 보면서 상상을 키웠던 것 같아요. 집에서 가구와도 많은 이야기들을 나눴어요. 하나의 친구였죠. 삐그덕 소리를 내는 의자를 보면 ‘나 늙었어’라고 하는 것 같고, 엄마가 방문을 세게 닫으면 ‘아파’라고 말하는 것 같았어요. 가구에도 감정이 있다고 생각했죠. 그리고 제가 앉아있던 의자는 제가 떠난 자리에서도 제 감정이 남아있다는 생각이 들었어요. 제가 한번 앉거나 만졌던 가구는 내 것이 되는 것 같았어요. 레오나르도 다 빈치의 작품 ‘최후의 만찬’을 보면서도 사람들이 의자에 앉아있는 각도나 자세가 다 제 각각인데 그들이 앉은 의자도 그 사람들의 감정을 대변해 주고 있다는 생각이 들었어요. Q: 작품의 메인 테마는 항상 ‘감정’인데 그 이유나 계기는? A: 저는 작품을 만들기 전에 글을 먼저 써요. 소설처럼 픽션을 써내려 가죠. 그 스토리를 만들고 글을 다듬는 데 약 3개월정도가 걸렸어요. 그리고 거기서 찾은 단어가 바로 감정이었어요. 결국엔 제 소설 안에 있는 인물들 사이의 감정, 거기서 발현되는 관계, 인간관계에 대한 이야기를 하고 싶었던 것 같아요. 제가 작품으로 표현해 놓은 감정들은 다 우리가 일상에서 느끼는 감정이에요. 눈치 보는 것, 슬픈 것, 기쁜 것. 근데 보면 감정을 있는 그대로 드러내 놓지 않은 경우가 많아요. 우리는 감정을 보통 속이고 사니까요. 그래서 눈치 보는 감정을 담은 작품에 가장 애정이 가는 것 같아요. 가구로 감정을 호소해보고 싶은 게 있었던 것 같아요.

2018 ARCH MARKET (아치마켓) 2018년5월 26(토)~27일(일) 11:00~17:00 서울시 양천구 양천문화회관 분수광장 앞 주관: 크라프츠 매거진, 서울디자인재단 후원: 양천사랑복지재단 현대공예매거진 크라프츠와 서울디자인재단이 공동주관하고 양천사랑복지재단이 후원하는 공예프리마켓 이 오는 5월 26일부터 27일까지 양천구 양천문화회관 분수광장 앞에서 개최됩니다. ARCH(ART & CULTURE by HUMAN)은 공예에 새로운 방향성을 제시하기 위해 설립된 크라프츠의 브랜드입니다. ARCH MARKET은 다양한 공예·디자인 제품 및 볼거리로 사람과 사람을 이어주는 문화의 장입니다. 2018 아치마켓 참여 셀러 모집 참가비용 개별판매부스: 토~일 50,000원 (1일 25,000원) 위탁판매부스: 토~일 130,000원 (위탁판매부스는 ARCH MARKET이 대행·위탁 판매합니다) *참가비 수익의 10%는 양천사랑복지재단에 기부됩니다. 참가 신청안내 www.archmarket.kr 에서 온라인 신청 문의 www.krafts.news info@krafts.news

글 최유미 에디터 출처 크라프츠 3·4월호 Vol.2 수십 마리 악어 떼가 거친 가죽을 뽐내면서 뒤엉켜있다. 악어는 저마다 기이한 몸짓과 방향으로 늪 주변을 어슬렁거린다. 오브제의 아름다움을 느끼기에 앞서 성전 같은 경건함이 강하게 다가온다. 작품 'Crocodile-clock P1'을 처음 본 느낌이 그랬다. 악어 떼가 득실거리는 늪지대를 형상화한 시계. 이 작가에게 악어와 시간은 서로 떼려야 뗄 수 없는 관계다. 시간은 어떠한 형태와 종류든 인간의 욕망을 채우기 위해 존재한다. 살아있다는 것 또한 욕망을 의미한다. 그 생명력을 표현하기에 가장 좋은 것이 바로 동물이다. 그 중 악어는 이 작가에게 있어 욕망을 표현하기에 가장 적절하다. 이인숙, crocodile-clock P1, porcelain 이인숙 작가의 작품세계에는 상징을 위한 다양한 모습들이 존재한다. 그리고 그것들은 각 작품에서 기호로의 기능을 담당한다. 악어, 사자, 기린 등의 동물 형상은 비유와 상징, 기호체계를 작품에 투영하여 작품세계를 완성시키기 위한 매개체인 것이다. "저는 작품을 생명과 인공물의 이분법적인 상징으로 풀어나갑니다. 주로 자연과 생명력은 동물로, 인공물은 차가운 물체인 나사로 상징화 하여 표현하죠." 그의 최근 작품에는 이러한 작품관이 뚜렷하게 나타난다. 지난해 경기세계도자비엔날레에 출품한조명 오브제 ‘Urban Jungle’은 ‘생명’과 ‘인공물’을 의미하는 수많은 상징들로 구성돼 있다. 사이드 테이블과 조명이 설치 된 해당 작품이 탄생한 것은 2016년 겨울이다. “당시 나라가 혼란에 휩싸인 상태였죠. 저는 그러한 일련의 사건들을, 인간 본연의 감정으로 해석해보기로 했습니다." 도예가 이인숙 이 작가의 머리속엔 혼란스러움, 분노, 두려움, 욕망, 희망 등의 감정이 떠오르기 시작했다. 그리고 그 감정들을 상징하는 형상들로 작품을 만들어 나가기 시작했다. 여러 층으로 나누어 제작 된 스탠드 부분이 독특했다. "각 층들을 이어 나가며 4~5번씩 가마에 구웠습니다. 흙을 붙이고, 갈라진 부분을 메꾸고 가마에 넣고 다시 그것을 반복하며, 이러한 과정 또한 욕망하며 발버둥 치는 인간의 삶과 닮았음을 느꼈습니다." 그녀의 주 작업기법은 캐스팅이다. 석고틀을 활용해 다양하면서도 세밀한 작업을 가능하게 해주는 기법이다. 이 작가는 “그때 그때마다 떠오르는 관념을 표현해줄 수 있는 몰드를 꺼내 즉흥적으로 작업한다”며 “주로 인공과 자연을 상징할 수 있는 것들이 보이면 구매해서 바로 몰드를 뜬다. 그렇게 수많은 몰드를 수집하기 시작했다”고 말했다. 그렇게 만들어진 몰드로 캐스팅 작업한 결과물은 그의 작품에서 하나의 기호와 상징으로 쓰인다. 오는 10월 팬던트 조명작품 개인전을 앞두고 있다는 이인숙 작가. 그의 작품세계관에서 나온 독특한 분위기의 작품은 생활자기보다는 오브제에 가깝다. 이인숙, making it! , gallery O (개인전) 그럼에도 작가 이인숙의 작품은 ‘공예’를 지향한다. 모든 작품이 반드시 누군가에게 쓰여지기를 원한다. 하지만 그 '쓰임'에 대한 고정관념이 달라져야 한다고 이 작가는 말한다. 오브제로서, 혹은 생활자기로서 이 작가의 작품은 쓰임새의 경계를 넘나든다. “도자기의 매력은 오브제이면서도 생활자기로도 사용될 수 있다는 점입니다. 작품 속 동물은 기호와 상징의 의미로 태어났지만 누군가에게는 그저 동물이 주는 친근함을 의미할 수 있습니다. 오브제의 의도로 만들었어도 누군가에겐 좋은 스툴이 될 수 있죠. 저는 이러한 간극이 좋습니다. 그리고 그러한 간극이 바로 소통을 가능하게 한다고 생각합니다." 이인숙, crocodile-mirror P3, porcelain, steel 이인숙, jungle boot, 화기, porcelain (본 기사 및 사진을 블로그, 개인 홈페이지 등에 무단 복제·배포하는 경우 저작권법에 의해 처벌 대상이 될 수 있습니다.)

글 최유미 에디터 출처 크라프츠 3·4월호 Vol.2 스페인 테네리페섬의 조용한 마을, 가라치코에서 작은 한식당을 열고 운영하는 모습을 담은 프로그램 ‘윤식당2’는 지난 1월 5일 첫방송 이후 tvN 예능 사상 역대 최고 시청률을 매회 경신 중이다. 여유로운 현지인들의 모습과 아름다운 테네리페섬의 자연 만큼이나 시청자들의 눈을 사로잡는 것은 바로 독특한 윤식당의 내부 인테리어이다. 그중 윤식당의 트레이드마크인 배우 윤여정의 얼굴이 그려져 있는, 식당간판과 내부 벽장식이 특히 눈길을 끈다. 바로 이베리아반도(유럽 남서부,스페인·포르투갈을 포함하는 반도)의 타일공예 아줄레주(Azulejo)다. 가라치코의 아름다움을 가장 잘 표현할 수 있는 것을 찾던 도중 식당 옆 타일 장인의 작품을 보고 인테리어를 타일로 꾸몄다는 제작진의 말처럼, 타일공예품은 이베리아반도의 예술과 문화 깊숙이 자리잡고 있다. 수 세기의 역사를 거쳐 현대인들에게 여전히 사랑받고 있는 아줄레주를 <크라프츠>가 스페인과 포루투갈에서 생생히 담아왔다. 바르셀로나 구엘공원의 모자이크타일, 사진=최유미 에디터 지난 2월 취재차 방문한 스페인의 마드리드. 스페인의 장식 문화를 보여주는 마드리드 내 국립 장식예술박물관(Museo Nacional de Artes Decorativas)에서 아줄레주를 만날 수 있었다. 층마다 가구, 그릇, 도자기, 상류층의 호화로운 의상과 장식품 등이 전시되어 있으며, 가장 꼭대기 층인 4층에는18세기 발렌시아(Valencia)지방 주방을 장식하던 아줄레주가 그대로 전시 돼 있다. 당시 주방의 모습과 동시에, 부르주아의 파티복식 등이 섬세하게 그려져 있다. 웅장하거나 화려한 모습은 아니지만, 당시 사람들의 삶 속에 녹아있는 아줄레주의 모습을 볼 수 있었다. 국립 장식예술박물관 전경, 사진=최유미 에디터 마드리드에서 본 아줄레주가 생활 속 장식이었다면, 포루투갈에서는 단순한 장식을 넘어 도시 전체를 아우르는 예술 양식으로서의 아줄레주를 만날 수 있었다. 포르투갈의 수도 리스본. 거리에서 가장 먼저 눈에 들어온 것은 곳곳이 칠이 벗겨진 건물들의 외관이었다. 날마다 칠을 새로 해, 건물마다 알록달록한 색을 유지하는 유럽의 건물 외형과는 달리 리스본의 건물은 역사와 세월의 흔적을 그대로 나타낸다. 테주강(Rio Tajo)을 따라 달리는 차 창밖으로 리스본 특유의 콜로니얼 양식의 건축물이 펼쳐졌다. 강빛을 머금은 아줄레주가 건물 외벽 곳곳이 감싸며 청량함을 뽐냈다. 포르투 시내의 카르무 성당 (lgreja do Carmo), 사진=최유미 에디터 이곳 리스본에는 포루투갈의 타일 문화를 한 눈에 볼 수 있는 국립 타일 박물관(Museu Nacional do Azulejo)이 자리잡고 있다. 국립 타일 박물관은 본래 1509년 레오노르 왕비가 건설한 수도원이었다. 포르투갈 국립 타일 박물관의 아줄레주, 사진=최유미 에디터 박물관 내부에는 아줄레주 초기 무어양식부터 시작하여, 아줄레주 작품들이 연대기적으로 전시 돼 있다. 시대순으로 작품을 따라가다 보면, 수도원 건물답게 예배당이 나타난다. 내부를 꾸미고 있는 아줄레주의 흰색과 청색의 차분한 조합은 예배당을 더욱 엄숙하고 경건한 분위기로 만들었다. 타일박물관 내부 성당 역시 아줄레주로 꾸며져있다. 사진=최유미 에디터 박물관 2층에는, 1755년 대지진 전 리스본의 모습을 담고있는 아줄레주 작품(Panoramic View of Lisbon)이 전시되어 있다. 총 23미터 길이의 이 작품은 대지진이 일어나기 전, 리스본의 완전한 모습을 담고 있어, 역사적인 가치를 지닌 작품으로 평가된다. 이 작품 맞은편에는 리스본을 주제로 한 현대작가들의 아줄레주 작품 또한 전시되어 있다. 리스본 시가지의 아줄레주는 어떤 모습일까 궁금해 발걸음을 옮겼다. 리스본 시내에 위치한 바로크 양식의 상 호케 성당(Igreja de São Roque)은 화려함의 극치인 내부장식 만큼이나 아줄레주로도 유명하다. 성당 내부는 1500년대의 아줄레주로 장식되어있다. 성당 근처에 위치한 비우바 라메고(Viúva Lamego)라는 1849년에 세워진 포르투갈 아줄레주 회사의 옛 공장으로 가보았다. 지금은 문을 닫았지만 아름다운 자태를 뽐내는 아줄레주 외벽은 아직도 관광객들에게 최고의 사진촬영 명소이다. 아줄레주로 장식돼 있는 리스본 시내 지하철 내부. Restauradores역 승강장, 사진=최유미 에디터 아줄레주 취재 이튿날, 포르투갈 북쪽지역의 도시인 포르투(Porto)로 향했다. 북대서양과 맞닿은 아름다운 항구도시인 포르투 또한, 아줄레주하면 빼 놓을 수 없는 도시이다. 포르투 시내의 기차역인 상벤투(São Bento) 역사 내부는 엔리케 왕자(Infante Dom Henrique de Avis, 1394-1460)의 아프리카 서북부 세우타 점령을 묘사한 아줄레주 벽화로 유명하다. 인구 100만 명 남짓한 유럽의 작고 가난한 나라 포르투갈은 교역과 황금의 도시 세우타를 점령하며, 대항해시대의 포문을 열었다. 포르투 역시 리스본과 같이 거리 곳곳이 아줄레주로 장식되어있다. 길거리 곳곳 색 바랜 타일들은 대항해시대 번영의 향수가 남아있는 이 도시와 묘하게 잘 어울렸다. 15세기 이후부터 ‘반짝이는 돌’ 아줄레주를 사용해 왔다는 이베리아 반도. 이곳에서 직접 만나본 타일공예는 단순히 예로부터 이어온 유산으로만 남아있지 않았다. 리스본 알파마(Alfama) 지구에서 아줄레주 공방 ‘Surrealejos’를 운영하고 있다는 전직 그래픽 디자이너인 루카 콜라피에트로(Luca Colapietro)씨는 “머리속에 떠오른 디자인을 컴퓨터로 작업하여 아줄레주용 특수지에 프린트한다”며 “그대로 타일 위에 올려 가마에 구워내어 타일을 만든다”고 말했다. 전통 형식에 얽매이지 않고 새로운 기법과 색다른 디자인으로 아줄레주는 여전히 현대인들의 삶 속에서 아름다움을 이어가고 있는 것이다. 아줄레주로 장식 된 리스본 시내의 건물, 사진=최유미 에디터 스페인 바르셀로나 구엘공원(Parce Guell)은 독특한 곡선과 모자이크의 타일장식으로 전세계 수많은 관광객들의 발길이 끊이지 않는 곳이다. 스페인이 낳은 천재 건축가 가우디가 설계한 이곳 구엘공원에는 정문의 경비실까지 알록달록 모자이크로 만들어져있다. 타일을 이용했다는 점에서 아줄레주와 공통점이 있지만 외형은 비슷한 듯 다르다. 공원 내 광장을 둘러싸고 있는 벤치는 깨진 타일과 도기로 장식돼 있다. 모자이크 조형물과 건물 곡선은 자연과 유기적으로 연결 된 듯 한 느낌을 준다. 저마다 다른 색으로 반짝이는 모자이크 타일은 동화 속 마을같은 몽환적인 분위기를 연출한다. 이베리아의 유구한 역사속 문화적, 역사적 소산인 아줄레주. 이베리아 반도에서 만난 아줄레주는 오늘날에도 여전히 사람들 삶 속에서 전통이라는 이름으로 살아 숨쉬며 일상 속 예술로서의 그 깊이를 더해가고 있었다. 한편, 스페인 국립 장식예술박물관에서는 ‘시간의 여정 - 자연의 시간, 사람의 시간, 사물의 시간 (Viaje del Tiempo)’라는 제목으로 한국의 공예품들이 전시 될 예정이다. 한국공예디자인문화진흥원(KCDF)가 주최하는 본 전시회의 전시기간은 2018년 4월 5일(목) - 6월 24일(일)이다. (본 기사 및 사진을 블로그, 개인 홈페이지 등에 무단 복제·배포하는 경우 저작권법에 의해 처벌 대상이 될 수 있습니다.)

글 김기화 기자 사진 최유미 에디터 강동구 명일동에 위치한 한 시계 공방. 문을 열자 먼지 하나 없이 깔끔한 작업대가 눈에 들어온다. 잘 정리된 사무실 같은 분위기에서 김한뫼(40) ‘엠오아이워치(‘MOI WATCH’) 대표를 만났다. 은색 바탕이지만 각도에 따라 천연자개 고유의 다채로운 빛깔을 볼 수 있는 나전칠기. 한국의 전통공예 중 하나로, 국내에서는 목조 가구 등의 장식으로 쉽게 찾아볼 수 있다. 하지만 그 나전칠기가 손목시계 다이얼(시계바늘 아래의 금속 판)에 입혀지는 과정을 볼 수 있는 곳은 MOI 공방이 유일하다. “다이얼에 나전칠기를 입히고서도 0.61mm의 두께를 유지시킬 수 있는 기술을 가진 사람은 아마 전 세계에서 저 하나뿐 일 것입니다.” 김 대표의 자신 있는 한마디다. moi 1861 김한뫼 대표가 시계를 배우기 시작한 것은 1998년부터다. 어렸을때부터 시계 마니아였던 그는 대학생 시절 아르바이트로 일하게 된 시계 매매 중개업을 시작해 차츰차츰 관련 경험을 쌓기 시작했다. “10년 넘게 시계를 보다 보니 제가 직접 만들어서 파는 게 어떨까 하는 생각이 들었죠. 국내 시장에서 그치지 않고 해외까지 수출해서 외화를 벌어오겠다는 포부가 있었어요.” 물론 시계를 만드는 것이 생각만큼 쉬울 리 없었다. “당시 국내에 접할 수 있는 시계 브랜드가 별로 많지 않았어요. 기껏해야 롤렉스 같은 고가 유명 브랜드 시계들뿐이었죠. 때문에 시계 관련 자료도 찾기 쉽지 않았고, 시계 제작을 배우는 데에 많은 어려움이 따랐습니다.” 결국 시계 관련 잡지와 서적을 최대한으로 활용하여 시계 제작을 배우고 회사를 차린 것이 2009년이다. 김 대표는 그 당시를 “힘들었지만 보람찬 시간”라고 회상했다. 김 대표가 현재 MOI를 대표하는 나전칠기 작품을 생산하기 시작한 것은 비교적 최근인 2016년 10월경이다. 이를 이루어낸 과정 또한 그리 쉽지는 않았다고 한다. “처음 나전칠기를 시계 다이얼에 입히고 싶다고 생각한 것이 2015년쯤이었어요. 여러 무형문화재 선생님들을 찾아 뵙고 도움을 구한 다음 샘플을 만들어봤죠. 역시 처음엔 아무리 해도 안되더라고요. 나전칠기는 원래 나무 위에 입히는데 이걸 금속 판 위에 입히니 붕 뜨더군요.” moi 1815 나무는 수분을 흡수하며 나전칠기와 흡착되지만 금속에는 흡수력이 없어 생긴 일이었다. “결국 1년간 초벌 작업, 건조 작업, 접착 방식 등 전통적 나전칠기 공정의 여러 부분을 변형하여 실험해봤습니다. 2016년 10월이 되어서야 자연광에 놓아도 변형이나 뒤틀림이 없는 완성품을 만들 수 있게 되었지요.” 그렇게 개발된 나전칠기 시계는 오히려 국외에 더 큰 관심을 이끌어내며 수출되고 있다. 직접 만든 시계를 해외에 수출해 외화를 벌어오겠다는 목표를 이룬것이다. 수출에서 끝나는 것이 아니라 김 대표만의 기술을 이용한 합작 제의까지 들어왔다. 김 대표는 3월 22일에 개최되는 스위스 시계 박람회 ‘바젤월드(BASELWORLD)’에 유명 시계 브랜드 아르티아(ARTYA)와의 합작 작품을 출품한다. “바젤월드는 꾸준히 참가했습니다. 이번엔 삼성 ‘갤럭시 기어S3’를 공동 디자인한 이반 아르파(Yvan Arpa) 아르티아 대표와 콜라보를 진행하죠. 제 나전칠기 다이얼을 보고 먼저 합작 제의를 하셨습니다.” 해당 시계에는 1억 5000만원에 달하는 값이 책정될 예정이다. 전통 공예의 아름다운 가치가 현대의 기술을 만난 결과이다. MOI WATCH 대표 김한뫼, 사진=최유미 에디터 지난 2009년 자신의 이름 ‘뫼’를 따와 회사를 차린 이후 근 10년간 김 대표를 이끌어온 원동력은 무엇일까. “저에게 (워치메이커로서) 가장 큰 도움을 준 것은 바로 ‘시계 마니아’ 시절 경험이었습니다. 시계를 하나 만들어 놓고 ‘나라면 이걸 살까?’ 하고 되묻는 과정을 반복하니 완성도 있는 시계를 만들 수 있게 되었지요. 당장 이번에 (스위스에) 출품하는 시계만 해도 ‘내가 1억 5000만원을 주고 이걸 사고 싶을까?’ 라는 질문을 수도 없이 던졌습니다.” 전통 공예품에 선뜻 지갑을 여는 소비자가 많지 않다는 지적에 대해 김 대표는 자신의 일화를 소개했다. “나전칠기 기술을 가지고 스위스 각 기업에 프레젠테이션을 하러 갔을 때 브랜드 담당자들이 무표정으로 일관하더군요. 근데 나전칠기의 빛깔과 보존력이 천 년 이상 가고, 항균 효과까지 있다는 얘기를 해주니 눈빛이 변했어요. 그들이 원했던 것과 우리의 전통 기술이 맞아떨어진 겁니다.” 전통 공예 기술이 ‘필요’와 맞아떨어진다면 그 가치가 배가 된다는 설명이었다. 사진=최유미 에디터 소비자의 입장에서 생각하는 것, 소비시장을 조사하고 소비자의 요구를 자신의 작품에 반영하는 것이야말로 김한뫼 대표가 가장 중요하게 여기는 자세다. “자신의 분야에서만 생각하면 안됩니다. 시아를 넓혀야 합니다. 내가 생각한 것을 만들고 이걸 사주길 바라는 것이 아니라, 사람들이 팔아주길 바라는 것에 내 생각을 넣어야 해요.” (본 기사 및 사진을 블로그, 개인 홈페이지 등에 무단 복제·배포하는 경우 저작권법에 의해 처벌 대상이 될 수 있습니다.)

글 박수현 편집장 사진 박요한 사진기자 출처 크라프츠 3·4월호 Vol.2 한국인 최초 ‘우주인 후보’ 고산(43) 씨를 지난 2월 서초구에 위치한 그의 사무실에서 만났다. 무려 1만 8,000대 1이라는 경쟁률을 뚫고 우주인 후보로 선발된 지 10여년의 세월이 지난 지금, 그는 3D 프린팅 서비스 스타트업 대표로 변신해 크고 작은 도전을 이어가고 있다. 사무실 입구에서부터 자체 제작 3D 프린터로 만든 영화 캐릭터 피규어와 아기자기한 소품들이 한 눈에 들어온다. 별도 공간에서는 3D 프린터 노즐이 산업용 시제품을 입체 콘텐츠로 신속하게 쌓아 올리고 있다. 제조업체, 건축설계사 등의 제작주문 요청 건을 처리하느라 직원들의 타자 치는 소리가 요란하다. 지난해 23억원의 투자를 유치하는 데 성공한 ‘에이팀벤처스’ 얘기다. 간편한 검정색 긴팔 티와 청바지 차림의 고산 에이팀벤처스 대표는 이날 <크라프츠>와의 인터뷰에서 ‘3D 프린팅 산업’을 4차 산업혁명의 출발지로 꼽는 데 주저하지 않았다. 고산 대표는 “4차 산업혁명을 넘어 5차산업혁명에 대비하는 것이 중요하다”며 기존 공장에서만 가능하던 제조업 분야가 개인이나 작은 집단으로 넘어가는 ‘제조업의 민주화’가 이뤄져야한다고 강조했다. 그가 꿈꾸는 제조업의 미래는 어떤 모습일까. 질문을 던져보았다. 고산 에이팀벤처스 대표와 사무실 전경, 사진=박요한 사진기자 Q: 에이팀벤처스 소개를 부탁드린다. A: 에이팀벤처스는 3D 프린터 제조 및 온라인 3D 프린팅 서비스 스타트업으로 제조 분야, 특히 온라인 제조 서비스에 강점을 두고 있다. 누구든 3D 도면, 혹은 2D 이미지나 간단한 스케치만 업로드해도 3D 모델링으로 제작해 배송해준다. 대부분은 제품 디자인, 건축 등의 분야에서 시제품 제작을 원하는 고객이나 기업, 전문인들이 주요 고객이다. 졸업작품을 제작해야 하는 전공생들의 문의도 많다. 기존에는 3D 프린터 개발과 제작과 판매만 하고 있었지만 그 과정에서 온라인 서비스를 생각하게 되어 ‘쉐이프엔진(Shapengine)’ 서비스를 2016년 론칭했다. 특히 3D 프린팅 온라인 분야는 앞으로도 굉장히 성장할 미래 산업이라고 보고 있다. Q: 온라인 서비스에 대해 좀 더 설명 해주신다면 A: 처음에는 보급형 3D 프린터 공유 플랫폼으로 사업을 시작했다. 개인이 가지고 있는 프린터를 등록해이용자와 매칭해주는 플랫폼이다. 마치 에어비엔비처럼 돈을 벌 수 있다. 주문제작 후 택배로 발송되는 P2P(개인 간 거래) 방식이다. 사업을 진행하다 보니 보급형이 아닌 정교한 산업용 3D 프린터 결과물을 원하는 고객이 늘어났다. 마침 국내에는 3D 산업형 장비가 엄청 많지만 가동률은 높지 않은 실정이었다. 거기에 착안 해 그런 업체들과 고객을 중심으로 고품질 3D 프린팅 산업 시장을 만들어주는 역할을 했다. 에이팀벤처스가 자체 개발한 보급형 3D 프린터 '크리에이터블 D3(CREATABLE D3)', 사진=박요한 사진기자 Q: 지난해 23억 원의 투자 유치에 성공하셨는데 A: 벤처캐피털 알토스벤처스로부터 투자를 받았다. 에이팀벤처스의 크게 3가지 요소가 투자 유치 성공에 큰 부분을 차지하였다. 첫번째는 (에이팀벤처스 제조 및 서비스 진행이) 모두 온라인화 돼 있다는 점이다. 두번째 요소는 우리가 직접 제품을 개발, 제조해왔던 회사이기 때문에 관련 기술을 확보해 놓고 있다는 점이다. 마지막이 타이밍이다. GE(제너럴일렉트릭) 등 전세계 다른 경쟁업체들도 3D 프린팅 관련 기술 확보를 위해 발빠르게 움직이고 있는 상황에서 알토스벤처스 측에서 투자 적기라는 판단을 내렸던 것 같다. Q: 고산 대표께서 보시는 4차산업혁명의 미래는 어떤 것인지 A: 4차산업혁명이라고 하고 있지만 우리는 사실 5차산업혁명을 준비하고 있다고 생각한다. 대량생산을 위해 시제품 제작을 의뢰하는 고객들의 수요가 증가할수록 ‘제조업 민주화’가 앞당겨 질 것으로 예상한다. 4차산업혁명까지는 공장의 효율성을 극대화 시킬 수 있느냐에 따라 투입 대비 수익이 결정되지만 5차산업혁명 시대에는 정 반대이다. 기존 공장에서만 할 수 있었던 제조업을 개인이나 작은 집단이 모두 제조 설비에 접근할 수 있게 되는 것이 바로 제조 민주화다. 그동안 많은 아이디어들이 시장에서 사장돼 왔다. ‘1인 제조업 시대’를 통해 개개인 모두가 ‘메이커’가 되어 상상력과 아이디어를 손쉽게 실물화하는 사례가 늘어 날 것으로 보고 있다. '크리에이터블 D3'로 시제품 제작 시연을 하고 있는 고산 대표, 사진=박요한 사진기자 Q: 아직까지 국내에는 ‘메이커’ 개념이 생소한데 A: 과거에 비해서는 메이커 시장이 많이 좋아졌지만 아직 부족하다. 정부 주도로 메이커 운동이 확산되기에는 콘텐츠 측면에서 아쉬운 점이 있다. 메이커 스페이스를 통해 소프트웨어, 콘텐츠 등의 창출이 이어져야 한다. 다만 메이커들을 위한 공공 제작 공간이 확산되고 있는 점은 고무적이다. 서울 종로구 세운상가에 있는 ‘FABLAB(팹랩/Fabrication Laboratory)’도 미국 MIT(매사추세츠 공대)에서 처음 시작돼 세계 70여개국 600여곳에서 운영되고 있는데 그 중에 우리나라에도 서울, 수원 등 7개 지역에서 활발하게 운영되고 있다. 이 같은 글로벌 네트워크를 통해 무엇을 만들 것인지, 워크숍을 어떻게 운영할 것인지 등에 대해 국내 운영 수준을 높일 수 있다. Q: 메이커 문화는 단순히 ‘놀이’인가? 앞으로 메이커 스페이스의 글로벌 전망은 어떻게 보시는지 A: 메이커 스페이스는 좋은 스타트업이나 창작자들을 만들어내기 위한 플레이그라운드다. 지난 2010년 미국에서 열린 ‘Maker Faire(메이커페어)’ 행사에 우연히 참가한 적이 있다. 엄청난 규모에 한 번 놀랐고, 주차장이 포화상태라 차를 세우고 행사장을 걸어가는 데 대부분의 사람들이 아이들 손을 잡고 가는 모습에 두 번 놀랐다. 미국에서는 메이커 문화가 교육적으로 굉장히 중요한 의미를 가진다. 단순히 단기적 트렌드가 아니다는 인상을 받았다. 오늘날 3D 프린팅 시대에 도면만 있으면 뭐든지 만들 수 있는 상황도 메이커 문화 확산과 연관돼 있다. '크리에이터블 D3'로 제작한 시제품, 사진=에이팀벤처스 Q: 국내 공예산업도 향후 3D 프린팅 시장의 영향을 받을 것으로 보는지 A: 3D 프린터는 인간에게 손을 하나 더 만들어 준 것이나 다름없다. 지금까지 공예하면 고도의 전문 기술이 필요한 영역으로 여겨졌지만 3D 프린터 덕분에 만드는 것이 쉬워졌다. 입문자들이 늘어나면서 관련 시장도 마찬가지로 성장하게 되지 않을까. 실제로 메이커 교육을 받고 전통 목공예로 넘어가는 젊은 친구들도 많이 봤다. 조금 더 많은 사람들이 만드는 즐거움을 느꼈으면 좋겠다. Q: 창업을 준비하는 미래 스타트업 유망주들에게 조언을 해주신다면? A: 미래를 예측하는 가장 좋은 방법은 그 미래를 하나 만드는 것이라는 말이 있듯이, 스타트업을 할 때 가장 좋은 방법은 각자가 생각하는 미래, 그 미래를 빨리 올 수 있게 만들기 위해 스스로가 어떻게 가치를 더하고 노력할 수 있는지 생각하는 것이다. '크리에이터블 D3'로 제작한 시제품, 사진=에이팀벤처스 ** 고산 대표 주요이력 학력 2010. 09 ~ 2011. 06 하버드대학교 케네디스쿨 (1년 수료후 중퇴 / 총 2년 과정) 공공정책 전공 2010. 06 ~ 2010. 08 싱귤레러티대학교 Graduate Student Program 2003. 09 ~ 2005. 08 서울대학교 인지과학협동과정 석사 경력사항 2013. 09 ~ 현재 에이팀 벤처스 대표 2006. 12 ~ 2011. 12 한국항공우주연구원 우주인, 정책기획부, 선임연구원 2005. 08 ~ 2007. 01 삼성종합기술원 컴퓨팅랩, 연구원 위원회 2017. 11 ~ 현재 4 차 산업 혁명 위원회 민간위원 (본 기사 및 사진을 블로그, 개인 홈페이지 등에 무단 복제·배포하는 경우 저작권법에 의해 처벌 대상이 될 수 있습니다.)